FERNANDA FRAGATEIRO + JAROMÍR NOVOTNÝ
Opening Sunday, May 25, 2025, 2 to 6 pm
Exhibition through Saturday, July 12, 2025
Daily by appointment + Saturdays 2 to 7 pm
. …and going on. the drj 100th — a Mail–Art project
. Ausstellung 16. März bis 4. Mai 2025
. Special Event am 12. April 2025, Soundperformance in Kooperation mit mi—so.
. Finissage Sonntag, 4. Mai 2025
. Fernanda Fragateiro + Jaromír Novotný
. Eröffnung Sonntag, 25. Mai 2025
. Ausstellung bis Juli 2025
. Yasuaki Kuroda et al.
. Juli bis September 2025
. Carlo Battisti et al.
. Oktober bis November 2025
. Arranged in reading order [left to right, top to bottom, more or less]
. In Leserichtung geordnet [v.l.n.r., v.o.n.u., so gut wie möglich]
Panel 1
Thomas Wild
Daniela Comani
Chelsea Leventhal
Doris Pürckhauer-Haburaj
James William Murray
Alain Biltereyst
Alison Hall
Annegreth Hoch
Erika Krause
Nanaé Suzuki
Jane O‘Neill
Cyrilla Mozenter
Silke Panknin
Debra Ramsay
Christoph Sander
Heather Jones
Jens Risch
Esther Seidel
Chris van Mulligen
Juliane Rogge
Jaromír Novontný
Theemetra Harizani
Martin Hasse
Friedrich Herz + Clemens Espenlaub
Nele-Marie Gräber
Natascha Schuler
line kramer
Lizza May David
Harriet Groß
Deborah Metherell
Darja Eßer
Veronika Kellndorfer
Martim Brion
Heike Gallmeier
Ivo Ringe
Simone Schimpf
Lucio Pozzi
Panel 2
Laure Catugier
Brian May
Jehoon Yii
Hae Kim
Densie Winter
Ben Gräbner
Ed Mays
Mikael Kihlman
Daniela Friebel
David Kroell
Alice Dittmar
Chiara Giorgetti
Antoanetta Marinov
Aurélie Pertusot
Stef Heidhues
Michael Rouillard
Susanne Specht
Sigmund de Jong
Peter Demos
Sarah Wohler
Tom McGlynn
Henric Borsten
Helmut Kirchlechner
Sabine Golde
ME Raabenstein
Debora Ando
Panel 3
Oliver Schmid
Renata Stih
Gilbert Hsiao
Oliver Siebeck
Sophie Innmann
Rita Ernst
Kathrin Massar
Boohri Park
Pascal Brateau
Tehching Hsieh
Alice Gaskon
Fiene Scharp
Anne Gathmann
Tehching Hsieh
Frank F. Drewes
Stefanie Schweiger
Esther Hagenmaier
Jan Wawrzyniak
Margareta Hesse
Franziska Lutze
Claus Ostendorf
Hellmut Bruch
Bernd Müller
Wolfgang Berndt
Adrienne Goehler
Cécile Dupaquier
Willem Besselink
Sabine Golde
Panel 4
Paula Carralero Bierzynska
Tobias Posselt
Fabio Sonnino
Fernanda Fragateiro
Geraldine Michalke
Wilfried Darlath
Carsten Sievers
Andrea + Johannes Teiser
Alan Hathaway
Sandra del Pilar
F.S. Blumm
Nadine Fecht
Ralf Bartholomäus
Reinhard Roy + István Haász
Justina Moncevičiūtė
Ruth Irène Graf
Lara Faroqhi
Walter Pölking
Käthe Kruse
Ursula Paletta
Morgan Cuinet
Margot Spindelman
Leon Manoloudakis
Bea Weuthen
Marcus Hartmann
Cedric Christie
Frank Badur
Beate Terfloth
Hae Kim
Sati Zech
Jürgen O. Olbrich
Panel 5
Emily Kelly
Don Voisine
Olaf Langmack
Antje Dorn
Hae Kim
Katharina Fischborn
Deb Covell
Jochem Fahrnbach
Gerda Kruimer
Wahida Azhari
Daniel G. Hill
Mitsuhiro Yamagiwa
Marcel Frey
Monique Recknagel
Beba Ilić
Reinhard Roy
Bignia Wehrli
Peter Weber
Tamás Jovanovics
Munira Naqui
Kerstin Gottschalk
Renate Wolff
Karin Beyens
Gerda Maise
OFFBEAT | Michael Hennings
Ernstfriedrich Jünger
Anne Schreiber
Panel 6
Daniela Comani
Sarah Alexander
Burchard Vossmann
Lidia Sigle
Helen Blake
Marguerite Hersberger
Wolfgang Neumann
Jorge Guzmán
Gabriele Jerke
Susan York
Nils-Simon Fischer
Maria Seitz
Haleh Redjaian
Yasuaki Kuroda
Sabine Springer
Max Schaffer
Jörg Bürkle
Carlo Battisti
Kirstin Rabe
Thomas Rauscher
Siegfried Kreitner
Emanuel Haab
Oliver Thie
Dave Großmann
Dieter Balzer
Mika Plutitskaya
Lilia Kovka
Vanessa Henn
Vira Hanzha
Panel 7
Tehching Hsieh
Friederike von Rauch
Kate Bland
Brigitte Schwacke
Bernhard C. Striebel
Christiane Schlosser
Uwe Jonas
Doris Erbacher
stan. gross
David Semper
Mareike Jacobi
Hilda Lindström
via MOVO
Thomas Goldstrasz
Max Mahlow
Nicole Heinzel
Timo Kahlen
Fritz Horstman
Monika Brandmeier
Juliane Schmidt
Esther Stocker
Katja Pudor
Isabell Simon
Axel Malik
Daniela Comani
Maike Teriete
Celia Caturelli
Erdem K. Köroğlu
Jürgen O. Olbrich
Rainer Splitt
Panel 8
Outreach & Impact
Annett Zinsmeister
Doris Kuwert
Frank Arndt
Ulrike Lauber
Mitsuhiro Yamagiwa
Alexej Mirnij – MIR
Gergely Sarreti
Christoph Brech
Tom Früchtl
Christiane Conrad
Ingeborg König
Sabine Schneider
Katharina Karrenberg
Christian Hutzinger
Uli Wilms
Kristof Magnusson
Stefan Schmarsow
Kate Wilson
Beate Terfloth
Stefan Schmarsow
Robert Dufter
Ingeborg König
Sabine Finkenauer
Kate Wilson
Kate Wilson
Judith Brunner
Jens Sundheim
Karsten Neumann
Christiane Burghardt
Bones Simon-Raabenstein
Panel 9
Tonka Maleković
Manuela Hitz
Carla Bertone
Arvid Boecker
Florian Lamprecht
Anette Haas
Quirin Bäumler
Florian Lamprecht
Otto Reitsperger
Laurence Grave
Mariángeles Soto-Diaz
Anton Quiring
Gonzalo Javier Morales Leiva
Sabine Straub
Densie Winter
Daniel Castrejón
Bettina Blohm
Jolana Havelková
Ian Boutell
Angelika Schori
Bogumila Strojna
almostthere _collective
Elke Graalfs
Sebastian Rogler
Oriane Stender
István Haász
Boris Kerenski
Albert Coers
Panel 10
Caroline Kryzecki
Robert Gschwantner
Anna Werkmeister
Lorenza Sannai
Norbert Klora
Simone Lanzenstiel
Andreas von Ow
Stefanie Nafé
Densie Winter
Olga Grigorjewa
Lienhard von Monkiewitsch
Ingrid Lønningdal
Karen Foss
Sybil Kohl
Jürgen Klugmann
Patrick O‘Donnell
Margie Kelk
Cholud Kassem
Deborah S. Philips
Annegreth Hoch
Helko Reschitzki
Reiner Seliger
Andreas Schmid
Hanna Kölsch
H. Frank Taffelt
Michael Bause
Panel 11
Marc Behrens
Markus Freitag
Ines Hock
Erik Knive Skodvin
Patricia Zarate
Manuela Kasemir
Kathrin Köster
Petra Buß
Tehching Hsieh
Kurt J. Haas
Matyás Holna
Roland Stratmann
Céline Büsser
Jürgen Kellig
Volker Veit
Carl-Jürgen Schroth
Reinhold Gottwald
Frederik Schikowski
Beate Selzer
Natalie Deewan
Monika Falke
Maike Schröder
Michaela Zimmer
Stefan Maria Rother
Yuki Inoue
Anna Kubelík
Guido Winkler
Birgit + Alfred Möckel
Zora Kreuzer
Panel 12
Teri Donovan
Michael M. Heyers
Petra Tödter
Lily de Bont
Ulla Pedersen
Aline Stalder
Joachim Grommek
Carles Valverde
Sebastian Dannenberg
Mary Schiliro
Jan Klopfleisch
Majla Zeneli
Birte Horn
Julia Ziegler
Matthias Noell
Marilia & Stefan Meister
N. N.
Lorenza Sannai
Lars Breuer
Nina Neumaier
Jae Kyung Kim
Hubert Kretschmer
Alex Jones
Frieder Schnock
Jeanne Fredac
Brigitte Japp
Stephane Jaspert
Gunnar Klack
Annette Merkenthaler
Pedro Boese
Panel 13 [Cabinet]
Tom Fährmann
Ursula Neugebauer
Jill Baroff
Marcel Buehler
Christof Hierholzer
Stefana McClure
Philip Perkis
Charles-Albert Mudry
Tehching Hsieh
Daniela Comani
Astrid Schindler
Matthias Beckmann
Songwen Sun-von Berg
Tehching Hsieh
Timm Ulrichs
Sibylle Hoiman
Arne Schreiber
Jan Klopfleisch
Rachel Esner + Angelika Wellmann
Heinrich Hermes
Timm Ulrichs
Victor Malsy
Beverly Rautenberg
Daniel Göttin
Victor Malsy
Julius Stahl
Lena Oehmsen
Jeannette Fabis
Victor Malsy
Pedro Boese
Wolfgang Ritter
Hansjörg Schneider
Marie-Pierre Bonniol
Panel 14 [Hallway]
Art van Triest
Linda Ebert
Susanne Pittroff
Zaida Oenema
José Heerkens
Serena Kiefer
Peter Ruehle
Günter Walter
András Wolsky
Karø Goldt
Gabriel de Gaudi
Jamey Hart
Panel 15 […the ongoing]
Pedro F. Berikat
Elisabeth Sonneck
Rolf-Günther Schulze + Bevoir Brown
Beate Maria Wörz
Stefanie Kloss
Alkr Reeh
Carl-Jürgen Schroth
Dorothee Joachim
Franz John
Tobias Tilemann
André Geertse
Horst Tress
Barbara Rosengarth
Sonja Knecht
Josef Zky
Maks Dannecker
Steffi Lindner
Susan Morris
Geordnet nach Nachnamen | Sorted by Last Name
. Eröffnung am Sonntag, 16. März 2025, von 13 – 18 Uhr.
. Special Event am 12. April 2025, inklusive einer Soundperformance in Kooperation mit mi—so.
. Finissage Sonntag, 4. Mai 2025, letzter Tag des Berlin Gallery Weekend, von 12 – [mindestens] 16 Uhr.
. Öffnungszeiten generell täglich auf Vereinbarung* und samstags von 14 – 19 Uhr.
. Am Wochenende vom 27. – 30. März 2025 geschlossen.
* Bitte möglichst einen Tag zuvor per e-Mail Kontakt aufnehmen!
. Für die Namensliste aller Teilnehmenden bitte hier klicken!
. Für den Online-Ausstellungbegleiter bitte hier klicken!
. Ein Beitrag zur Ausstellung im Deutschlandfunk Kultur vom 17. März 2025 kann hier angehört werden.
::::: DE ::::: [scroll down for EN, please]
Lange war klar, dass im Frühjahr 2025 die 100. Ausstellung bei dr.julius art projects in Berlin stattfinden würde. Anstatt jedoch zurückzublicken und die Entwicklung oder die Geschichte von drj seit 2008 zum Thema zu machen, sind wir viel mehr daran interessiert, wie wir alle weitermachen werden. Um das herauszufinden, haben wir dieses partizipative Mail–Art–Projekt gestartet.
Angesichts der unzähligen Krisen unserer Zeit, die vom Zerfall lokaler Kulturräume, den Verwerfungen in unseren Gesellschaften, einer steigenden Anzahl bewaffneter Konflikte und faschistisch-autoritären Tendenzen weltweit, bis hin zur offensichtlich nicht mehr umkehrbaren globalen Klimakatastrophe reichen, wollen wir umso mehr nach vorne schauen. In unserem Gedankenaustausch und den fortlaufenden Gesprächen mit kreativen Menschen weltweit haben wir festgestellt, dass sich viele von uns ständig und immer häufiger grundlegende Fragen stellen, etwa: »Wie mache ich trotz alledem weiter? Was ist die sinnvolle und relevante Bedeutung meiner Arbeit? Wie schaffe ich es, motiviert zu bleiben?« usw. Und die überwiegende Mehrheit von uns findet fast täglich individuelle Antworten auf diese Fragen. Daher ist …and going on. ein Projekt, das darauf abzielt, die vielen verschiedenen Wege aufzuzeigen, um weiterzumachen – von den eigenen inneren Konflikten bis zur tiefen Entschlossenheit, durchzuhalten.
Daher hat dr.julius art projects seit 0ktober 2024 Künstler:innen, Kurator:innen, Direktor:innen, Sammler:innen konzeptueller minimaler und verwandter Bereiche der zeitgenössischen Kunst eingeladen, ihre persönlichen Antworten mit uns zu teilen, komprimiert auf das klassische Medium der Postkarte. Mehr als 350 Eingeladene sendeten eine Antwort per Post auf die Rote Insel in Berlin.
Die Frage „Was lässt DICH weitermachen?“ wurde höchst unterschiedlich umgesetzt. Es ist eine ganz besondere Auswahl an künstlerischen Gedanken, Haltungen, Ansätzen, Ideen und Werken zusammengekommen. Die kollektive Aussage, die daraus hervorgeht, kann als eine Art Gesamtkunstwerk gelten, das aus allen Beteiligten, dem Inhalt und dem Medium sowie der Zeit und dem Ort der Ausstellung besteht. Aus den Beiträgen unterschiedlichster Akteurinnen und Akteure dieses künstlerischen Feldes ist ein wertvoller Ausdruck der schöpferischen und widerständigen Kraft der Kunst an sich entstanden.
Als Zeitdokument von Ende 2024 bis Anfang 2025 kann man es auch als einen Querschnitt von Ideen und Konzepten lesen, welche Hoffnung wecken, gegen die Widrigkeiten der Welt, wie sie sich heute darstellt.
Die Essenz der Einladung war wie folgt formuliert:
die Frage: Was lässt DICH weitermachen?
das Medium: Schickt uns eine Postkarte!
das Ergebnis: Die 100. drj-Ausstellung.
der Inhalt: Eine kollektive künstlerische Aussage.
die Botschaft: Wir werden sehen…
dr. julius art projects
Leberstr. 60 · D—10829 Berlin
::::: EN :::::
…and going on.
the drj 100th — a Mail–Art project
. Opening on Sunday, March 16, 2025, from 1 –6 pm.
. Special event on April 12, 2025, including a sound performance in cooperation with mi—so.
. Finissage Sunday, May 4, 2025, the last day of the Berlin Gallery Weekend, from 12 – [at least] 4 pm.
. Opening hours in general daily by appointment* and Saturdays from 2–7 pm.
. Closed over the weekend of March 27–30, 2025.
* Please contact us one day in advance by e-mail!
. To see the list of all participants, please click here!
. For the online exhibition guide, please click here!
It has long been forseeable that in spring 2025, the 100th exhibition would take place at dr.julius art projects in Berlin. However, instead of looking back and making the development or the history of drj since 2008 the subject, we are much more interested in how all of us will continue. To find that out, we started this participative Mail–Art project.
Facing the countless crises of our times, ranging from the disintegration of local cultural landscapes, the upheavals in various societies, a rising number of armed conflicts and fascist-authoritarian tendencies worldwide, to the global climate catastrophe that can obviously no longer be reversed, we want to look ahead all the more. In our exchange of thoughts and ongoing conversations with creative minds worldwide, we have noticed that many of us are constantly and increasingly asking ourselves fundamental questions, like: »How do I continue despite all of this? What is the meaningful relevance of my work? How do I manage to stay motivated?« etc. And the vast majority of us find individual answers to these questions almost every day. …and going on. thus is a project that aims to demonstrate the many different ways to keep going ahead, reaching from personal inner struggle to the deep resolve to carry on.
Therefore, in October 2024, dr.julius art projects invited artists, curators, directors, collectors of conceptual minimal and related sectors of contemporary art to share their personal answers with us, condensed to the classic medium of the postcard. More than 350 invitees did respond and sent a contribution via mail to Berlin’s Rote Insel.
The question »What keeps YOU going?«, was answered in a huge variety of ways. The exhibition now brings together a very special selection of artistic thoughts, attitudes, approaches, ideas and works.. And the collective statement that emerges from this, can be seen as a kind of Gesamtkunstwerk, consisting of all the people committing, the content and the medium, as well as the time and space of the exhibition. Created from the contributions of a wide range of actors in this artistic field, it has become a valuable expression of the creative and resistant power of art per se.
As a contemporary document from late 2024 and early 2025, it targests to be a cross-section of ideas and concepts that inspire hope against the adversities of the world as it appears today.
The essence of the invitation was this:
the question: what keeps YOU going?
the medium: send us a postcard!
the result: the 100th drj exhibition.
the content: a collective artistic statement.
the message: we will see…
dr. julius art projects
Leberstr. 60 · D—10829 Berlin
*1976 in Tokio
Lebt und arbeitet in Tokio und Berlin
drj Programmkünstlerin seit 2022
www.aikotezuka.com, instagram.com/aikotezuka
Ausstellungen und Beteiligungen:
*1965 in Anderlecht [BE]
Lebt und arbeitet nahe Brüssel [BE]
drj Programmkünstler seit 2018
www.biltereyst.com/
—DE—
Mit geübtem Auge gesetzt und mit sicherer Hand gemalt, bestehen Alain Biltereysts [*1965, BE] Arbeiten aus Motiven, die aus seiner Beobachtung des Gebrauchs von Formen, Farben und Zeichen der alltäglichen Visuellen Kommunikation abgeleitet sind. Gebrauchsgrafiken auf Schildern, Plakaten sowie Logos und Gestaltungen auf LKW-Planen oder Firmentransportern können so zum Ausgangspunkt für die Entwicklung seiner Bildinhalte werden. Durch Fokussierung und Analyse der zugrundeliegenden Gestaltungsprinzipien des Gesehenen, überträgt er die visuellen Impulse und entwickelt seine spezifische künstlerische Interpretation.
Seine Malerei zeichnet sich dabei durch eine unprätentiös, fast schon lässig wirkende Ausführung aus. Sie erzeugt einen nonchalanten, äußerst individuellen Charakter, der sich mit der an sich minimalen und unspektakulären Motivsprache zu einer außergewöhnlichen, nahezu poetischen Wirkung verbindet. Dabei nutzt er als Bildträger stets Sperrholzplatten, oft als kleinformatige Tafeln auf denen sich die Kompositionen förmlich selbst verdichten, bis hin zu mittelgroßen Formaten für komplexe grafische Konstruktionen. Aber auch raumhohe in situ Wandarbeiten, die direkt auf vorgefundenen Oberflächen ausgeführt sind, zeichnen sein Werk aus.
Es wohnt den Arbeiten jedoch auch ein zeitliches Moment inne, das den besonderen und im Wortsinne vielschichtigen Charakter der Werke mit bestimmt. Denn die Produktionsweise Alain Biltereysts beinhaltet auch, dass den Bildern von ihm und für sich selbst nicht per se ein Ewigkeitswert zugewiesen wird: Was in seinem Atelier entsteht und dort zunächst verbleibt, wird einer andauernden Revision unterzogen. Und was vor dem Blick des Künstlers nicht auf Dauer besteht, wird zurücksortiert, wieder dem Rohmaterial zugeordnet und schließlich in einem nächsten Arbeitsgang mit neuem Inhalt belegt. Dadurch bilden sich folgerichtig schichtweise, unmittelbar aus dieser Arbeitsweise entstehende, sehr lebendig anmutende und individuelle Oberflächen heraus, denen ihre Vor-Versionen eher anzumerken als tatsächlich anzusehen sind.
Alain Biltereyst lebt und arbeitet in der Nähe von Brüssel und hat international zahlreich und erfolgreich in Galerien, auf Messen und in Museen ausgestellt.
Matthias Seidel, drj, 2018
___EN___
Arranged with a practiced eye and painted with a confident hand, Alain Biltereyst’s [b. 1965, BE] works consist of motifs derived from his observation of the forms, colors, and signs used in everyday visual communication. Commercial art from signs and posters as well as logos and designs from trucks and delivery vans may thus become the starting point for his images. By focussing and analysing the underlying design principles of what we see, he conveys visual impulses and develops his own specific artistic interpretation.
His painting is characterised by an unpretentious, almost casual-seeming execution. This gives rise to a non-chalant and extremely unique character which, combined with a visual language that is in itself minimal and unspectacular, has an extraordinary, almost poetic effect. Biltereyst paints on plywood boards, often making small-format panels of formally concentrated compositions, or expanding to medium-large formats for more complex graphic constructions. His work however also includes room-high, in-situ wall paintings executed directly on whatever surface is present.
The pieces also contain a temporal element, however, which lends them their special, literally multilayered character. Biltereyst’s method of production means that his pieces are not immediately granted eternal value—neither by the artist himself nor just by virtue of their own qualities: anything that is produced in his studio and doesn’t immediately leave it is subjected to continual revision. And any pieces that don’t pass the artist’s muster in the long run are turned back into raw material and covered with new content in the next phase of work. This layered way of working results in lively and individual surfaces whose previous versions can be sensed rather than actually seen.
Alain Biltereyst lives and works near Brussels, and has exhibited internationally in galleries, art fairs, and museums, with great success. His work has already been shown at drj in START-UP! [2017] and DECADE ONE [2018].
Matthias Seidel, drj, 2018
::::: EN :::::
INVITATION TO CONTRIBUTE
to all artists, curators, directors, collectors of conceptual minimal art [& beyond 🙃]
In spring 2025, the 100th exhibition will take place at dr. julius art projects in Berlin.
However, instead of looking back and making the development or the history of drj since 2008 the subject, we are much more interested in how all of us will continue. To find out, we started this participative Mail Art project.
Facing the countless crises of our times, ranging from the disintegration of local cultural landscapes, the upheavals in various societies, a rising number of armed conflicts and fascist-authoritarian tendencies worldwide, to the global climate catastrophe that can obviously no longer be reversed, we want to look ahead all the more. In our exchange of thoughts and ongoing conversations with creative minds worldwide, we have noticed that many of us are constantly and increasingly asking ourselves fundamental questions, like: »How do I continue despite all of this? What is the meaningful relevance of my work? How do I manage to stay motivated?« etc. And the vast majority of us find individual answers to these questions almost every day. …and going on. thus is a project that aims to demonstrate the many different ways to keep going ahead, reaching from personal inner struggle to the deep resolve to carry on.
Therefore, we invite all artists, curators, directors, collectors of conceptual minimal and related sectors of contemporary art to share their personal answers with us, condensed to the classic medium of the postcard.
The question »What keeps YOU going?«, answered in a variety of ways by all of these who, like us, have a very specific interest in the examination of intellectual concepts and their transfer into works of art, will bring together a very special selection of artistic thoughts, attitudes, approaches, ideas and works, we are convinced. And the collective statement that emerges from this, will be a kind of Gesamtkunstwerk, consisting of all the people committing, the content and the medium, as well as the time and space of the exhibition. Created from the contributions of a wide range of actors in this artistic field, it will be a valuable expression of the creative and resistant power of art per se.
As a contemporary document from late 2024 and early 2025, it will also and especially be a cross-section of ideas and concepts that inspire hope against the adversities of the world as it appears today, we believe.
So, here is the essence of this invitation:
the question: what keeps YOU going?
the medium: send us a postcard!
the result: the 100th drj exhibition.
the content: a collective artistic statement.
the message: we will see…
please send your postcard any time, asap, but for sure before January 15, 2025
the exhibition featuring all contributions will then be on view March — May, 2025
dr. julius art projects
Leberstr. 60 · D—10829 Berlin
Questions and Answers:
. Q1: Will the contributions be for sale? Will the postcards be returned?
. A1: This is not an art market project. All contributions will become part of a collective work, with each individual postcard being an integral, non-replaceable element of. Therefore, single cards will neither be for sale nor will they be returned.
. Q2: There are different sizes of postcards. Can I choose the format myself?
. A2: Our project does refer to the tradition of Mail Art, of course. This also makes it clear that the only limit is, that your contribution can be sent by mail. So, as for the format or size, we deliberately chose not to provide any further specifications.
. Q3: What will happen to the postcards after the exhibition?.
. A3: On the one hand, we will try to exhibit the complete project in other venues. And, of course, we will archive everything and also try to find an institution that will keep and preserve it.
. Q4: Can I forward the invitation?
. A4: Definitely yes. Please let friends and colleagues who you think might be interested in this project know about it.
. Q5: Is the invitation to contribute aimed only at visual artists, or are musicians, writers and actors also invited to submit their statements?
. A5: Our leitmotif here is called “Creative Minds”. So, we mean all people who work inventively in the field of art. Nevertheless, there should always be a relation to our programme – in the broadest senses of the word!
. Q6: First of all, a question: How many postcards are to be produced or printed?
. A6: For the project itself, we only need a single postcard from each participant. These will then remain an integral part of the overall project. However, we have also considered the possibility that some participants might want to turn their contribution into a special edition. We think this is a good idea, and we would be pleased to distribute it here.
. Q7: What kind of postcard or motif do you expect: something especially made for this project, a work of art in itself, so to speak? Or can it also be an existing illustration of something that to me seems appropriate here?
. A7: In terms of content, it is completely up to you what will be seen, read or otherwise perceived on the postcard – as long as it represents what is keeping you, the sender, going. Thus, it may be hand-made, self-designed, or found, or combine both, or whatever…
. Q8: Can my contribution also be a postcard I find, a readymade?
. A8: See question above. Here, too, the principle applies that the participants are free to decide everything themselves. As long as a found postcard seems appropriate to the sender in this context, of course. Also, if you use front and backside of the card, if it is made from cardboard or other materials etc. is only limited by the mail services regulations, i.e. it must be able to be sent by mail…
. Q9: Is it about a text-based statement, or about images without any description?
. A9: That is entirely up to the respective authors. And since there is always a front and back of the card, combinations of all kinds are conceivable.
. Q10: Am I supposed to send the postcard as such, or put it in an envelope? If the air-mailing process is important, I will mail it directly, like ON KAWARA’s „I Got Up“ series. Or would it be better to send the card in an envelope?
. A10: Regarding the question, whether a postcard should be sent with or without an envelope: in the tradition of mail art, the way in which the postcard is dispatched becomes part of the contribution, i.e. the traces of transportation, from the printed postmark to possible creases, are part of it. We would prefer it that way – also to keep things simple for everyone. And besides, the idea is for artists not to produce works that are too valuable and too expensive to protect, such as delicate unique pieces… to minimize their investment of time and effort. But we certainly do not want to create any exclusion criteria, and we do not want to make any overly strict specifications. So, who prefers their card to be protected in an envelope, send it to us that way. We will just have to think about how to handle the envelope in the exhibition – whether it is part of their entry or not.
[Please check for updates regularly: new questions posed will constantly be answered here.]
::::: DE :::::
…and going on.
the drj 100th — a Mail Art project.
EINLADUNG ZUR BETEILIGUNG
an alle Künstler:innen, Kurator:innen, Direktor:innen, Sammler:innen konzeptueller minimaler Kunst [& darüber hinaus 🙃]
Im Frühjahr 2025 wird die 100. Ausstellung bei dr. julius art projects in Berlin stattfinden.
Anstatt jedoch zurückzublicken und die Entwicklung oder die Geschichte von drj seit 2008 zum Thema zu machen, sind wir viel mehr daran interessiert, wie wir alle weitermachen werden. Um das herauszufinden, haben wir dieses partizipative Mail-Art-Projekt gestartet.
Angesichts der unzähligen Krisen unserer Zeit, die vom Zerfall lokaler Kulturräume, den Verwerfungen in unseren Gesellschaften, einer steigenden Anzahl bewaffneter Konflikte und faschistisch-autoritären Tendenzen weltweit, bis hin zur offensichtlich nicht mehr umkehrbaren globalen Klimakatastrophe reichen, wollen wir umso mehr nach vorne schauen. In unserem Gedankenaustausch und den fortlaufenden Gesprächen mit kreativen Menschen weltweit haben wir festgestellt, dass sich viele von uns ständig und immer häufiger grundlegende Fragen stellen, etwa: »Wie mache ich trotz alledem weiter? Was ist die sinnvolle und relevante Bedeutung meiner Arbeit? Wie schaffe ich es, motiviert zu bleiben?« usw. Und die überwiegende Mehrheit von uns findet fast täglich individuelle Antworten auf diese Fragen. Daher ist …and going on. ein Projekt, das darauf abzielt, die vielen verschiedenen Wege aufzuzeigen, um weiterzumachen – von den eigenen inneren Konflikten bis zur tiefen Entschlossenheit, durchzuhalten.
Wir laden daher alle Künstler:innen, Kurator:innen, Direktor:innen, Sammler:innen konzeptueller minimaler und verwandter Bereiche der zeitgenössischen Kunst ein, ihre persönlichen Antworten mit uns zu teilen, komprimiert auf das klassische Medium der Postkarte.
Die Frage „Was lässt DICH weitermachen?“, die unterschiedlich beantwortet wird von all denen, die wie wir ein ganz spezielles Interesse an der Auseinandersetzung mit intellektuellen Konzepten und deren Umsetzung in Kunstwerke haben, wird eine ganz besondere Auswahl an künstlerischen Gedanken, Haltungen, Ansätzen, Ideen und Werken zusammenbringen, davon sind wir überzeugt. Und die kollektive Aussage, die daraus hervorgeht, wird eine Art Gesamtkunstwerk sein, das aus allen Beteiligten, dem Inhalt und dem Medium sowie der Zeit und dem Ort der Ausstellung besteht. Entstanden aus den Beiträgen unterschiedlichster Akteurinnen und Akteure dieses künstlerischen Feldes, wird es ein wertvoller Ausdruck der schöpferischen und widerständigen Kraft der Kunst an sich sein.
Als Zeitdokument von Ende 2024 bis Anfang 2025 wird es auch und vor allem ein Querschnitt von Ideen und Konzepten sein, die Hoffnung wecken, gegen die Widrigkeiten der Welt, wie sie sich heute darstellt, so glauben wir.
Hier ist also die Essenz dieser Einladung:
die Frage: Was lässt DICH weitermachen?
das Medium: Schickt uns eine Postkarte!
das Ergebnis: Die 100. drj-Ausstellung.
der Inhalt: Eine kollektive künstlerische Aussage.
die Botschaft: Wir werden sehen…
Bitte schickt uns eure Postkarte jederzeit, so schnell wie möglich, aber auf jeden Fall vor dem 15. Januar 2025.
Die Ausstellung mit allen Beiträgen wird dann von März bis Mai 2025 zu sehen sein.
dr. julius art projects
Leberstr. 60 · D—10829 Berlin
Fragen und Antworten:
. Q1: Werden die Beiträge zum Verkauf stehen? Werden die Postkarten zurückgegeben?
. A1: Dies ist kein Projekt für den Kunstmarkt. Alle Beiträge werden Teil eines kollektiven Werkes, wobei jede einzelne Postkarte ein integraler, nicht ersetzbarer Bestandteil davon ist. Daher werden einzelne Karten weder zum Verkauf stehen noch zurückgegeben werden.
. F2: Es gibt Postkarten in verschiedenen Größen. Kann ich das Format selbst wählen?
. A2: Unser Projekt bezieht sich selbstverständlich auf die Tradition der Mail Art. Damit ist auch klar, dass die einzige Einschränkung darin besteht, dass dein Beitrag per Post verschickt werden kann. Was das Format oder die Größe betrifft, haben wir uns bewusst dafür entschieden, keine weiteren Spezifikationen anzugeben.
. F3: Was passiert mit den Postkarten nach der Ausstellung?
. A3: Zum einen werden wir versuchen, das gesamte Projekt an anderen Orten auszustellen. Und natürlich werden wir alles archivieren und versuchen, eine Institution zu finden, die es aufbewahrt und erhält.
. F4: Darf ich die Einladung weiterleiten?
. A4: Auf jeden Fall! Bitte informiere Freund:innen und Kolleg:innen, von denen du denkst, dass sie an diesem Projekt interessiert sein könnten, darüber.
. F5: Richtet sich die Einladung zur Mitwirkung nur an bildende Künstler oder sind auch Musiker, Schriftsteller und Schauspieler eingeladen, ihre Statements einzureichen?
. A5: Unser Leitmotiv heißt hier „Creative Minds“. Wir meinen also alle Menschen, die im Bereich der Kunst schöpferisch tätig sind. Dennoch sollte immer ein Bezug zu unserem Programm bestehen – im weitesten Sinne des Wortes!
. F6: Zunächst eine Frage: Wie viele Postkarten sollen produziert oder gedruckt werden?
. A6: Für das Projekt selbst benötigen wir von jedem Teilnehmer nur eine einzige Postkarte. Diese bleiben dann integraler Bestandteil des Gesamtprojekts. Wir haben jedoch auch die Möglichkeit in Betracht gezogen, dass einige Teilnehmer ihren Beitrag in eine Auflage überführen möchten. Wir halten dies für eine gute Idee und würden uns freuen, sie hier zu vertreiben.
. F7: Was für eine Art von Postkarte oder Motiv erwartet ihr: etwas, das speziell für dieses Projekt angefertigt wurde, sozusagen ein Kunstwerk an sich? Oder kann es auch eine bereits existierende Illustration von etwas sein, das mir hier passend erscheint?
. A7: Inhaltlich ist es euch völlig freigestellt, was auf der Postkarte zu sehen, zu lesen oder sonstwie wahrzunehmen ist – solange es das repräsentiert, was euch als Absender, bewegt. Es kann also handgemacht, selbst gestaltet, gefunden, oder beides kombiniert, oder was auch immer sein…
. F8: Kann mein Beitrag auch eine gefundene Postkarte sein, ein Readymade?
. A8: Siehe Frage oben. Auch hier gilt der Grundsatz, dass die Teilnehmer alles selbst bestimmen können. Solange eine gefundene Postkarte dem Absender in diesem Zusammenhang angemessen erscheint, natürlich. Auch, ob man Vorder- und Rückseite der Karte verwendet, ob sie aus Pappe oder anderen Materialien besteht usw., ist nur durch die Postbestimmungen begrenzt, d. h. sie muss per Post versandt werden können …
. F9: Geht es um eine textbasierte Aussage oder um Bilder ohne Beschreibung?
. A9: Das liegt ganz bei den jeweiligen Autoren. Und da es immer eine Vorder- und eine Rückseite der Karte gibt, sind Kombinationen aller Art denkbar.
. F10: Soll ich die Postkarte einfach so verschicken oder in einen Umschlag stecken? Wenn der Luftpostversand wichtig ist, werde ich sie direkt versenden, wie in ON KAWARAs Serie „I Got Up“. Oder wäre es besser, die Karte in einem Umschlag zu verschicken?
. A10: Zur Frage, ob eine Postkarte mit oder ohne Umschlag verschickt werden sollte: In der Tradition der Mail Art wird die Art und Weise, wie die Postkarte versendet wird, Teil des Beitrags, d. h. die Spuren des Transports, vom aufgedruckten Poststempel bis hin zu möglichen Knickspuren, sind Teil davon. Wir fänden das gut – auch um die Sache für alle einfach zu halten. Und außerdem geht es darum, dass Künstler:innen keine Werke produzieren, die zu wertvoll und zu teuer sind, um sie zu schützen – etwa empfindliche Unikate. Aber wir wollen sicher keine Ausschlusskriterien schaffen und auch keine allzu strengen Vorgaben machen. Wer also seine Karte lieber in einem Umschlag geschützt wissen möchte, schickt sie uns so. Wir müssen dann nur noch überlegen, wie wir mit dem Umschlag in der Ausstellung umgehen – ob er Teil des Beitrags ist oder nicht.
[Bitte seht hier regelmäßig nach Updates: Neue Fragen werden ständig weiter beantwortet.]
Anette Haas — »ornamental«
&
Aiko Tezuka [JP]... Alain Biltereyst [BE]... Astrid Schindler [DE]... Denise Winter [DE]... Don Voisine [US]... Hansjörg Schneider [DE]... Majla Zeneli [AL]... Sarah Smolders [BE].
Eröffnung am Sonntag, 24. November 2024
Ausstellung bis 26. Januar 2025
… DE …
drucken… ist eine Ausstellung zur künstlerischen Technik der Vervielfältigung. Sie verbindet zwei Teile: In »ornamental« werden neue Arbeiten aus der Werkstatt von Anette Haas in den Haupträumen gezeigt. Dieser Schwerpunkt wird begleitet von Werken acht ausgewählter Künstlerinnen und Künstler.
Dies verdeutlicht zusätzlich, wie der gezielte Einsatz des Druckens Positionen der Malerei erweitert, wie bei Alain Biltereyst und Don Voisine; oder dass für ansonsten in der Textil- bzw. Installationskunst arbeitende Künstlerinnen wie Aiko Tezuka oder Sarah Smolders, das Drucken einen eigenen Wert besitzen kann. Und andererseits werden besondere, sehr speziell eingesetzte Möglichkeiten des Druckens gezeigt, wie in den Arbeiten von Majla Zeneli, Astrid Schindler, Denise Winter und Hansjörg Schneider. So verstärken sich das Nebeneinander und Zusammenwirken der Ausstellungsteile wechselseitig.
… EN …
drucken…
Anette Haas — »ornamental«
&
Aiko Tezuka [JP]... Alain Biltereyst [BE]... Astrid Schindler [DE]... Denise Winter [DE]... Don Voisine [US]... Hansjörg Schneider [DE]... Majla Zeneli [AL]... Sarah Smolders [BE].
Opening Sunday, November 24, 2024
Exhibition until January 26, 2025
drucken… (printing…) is an exhibition on the artistic technique of multiplication. It combines two sections: in »ornamental« new works from the print studio of Anette Haas in the main spaces. This focus is accompanied by works from eight selected artists.
On the one hand, this illustrates how the specific use of printing expands positions of painting, as in the work of Alain Biltereyst and Don Voisine; or how printing has its own value for artists such as Aiko Tezuka or Sarah Smolders, who otherwise work in textile respectively installation art. On the other hand, special and very specifically used possibilities of printing are on display with the works of Majla Zeneli, Astrid Schindler, Denise Winter and Hansjörg Schneider. In this way, the juxtaposition and correlation of the exhibition’s sections are mutually reinforcing.
… DE …
Anette Haas — »ornamental«
Die Bedeutung von Farbe, Form, Linie, Raum, Ort sind zentrale Themen im künstlerischen Werk von Anette Haas. In ihrer ersten Einzelausstellung .rand.bedingungen. bei dr. julius waren 2012 neben einem Fokus auf Malerei insofern auch zwei Arbeiten und ein Künstlerinnen-Buch ihres Projekts Near Here ausgestellt. Darin waren in prägnanter Schablonenschrift geschriebenen Begriffen wie a shouting, a shrieking jeweils handgezeichnete Lineaturen unterschiedlicher Varianten gegenübergestellt. Hintergrund dessen waren Beobachtungen und Erfahrungen, die die Künstlerin während eines Aufenthaltsstipendiums in Nashville/Tennessee, gemacht hatte. Ihre dortige Bewegung im Stadtraum mittels des völlig orts-untypischen Verkehrsmittels Fahrrad brachte sie an außergewöhnliche Orte. Unter Zuhilfenahme der seinerzeit gerade aufkommenden Orientierung anhand satellitengestützter Karten und Fotos eröffneten sich ihr unerwartete Beobachtungen. Mit dem genau wahrnehmenden Blick der europäischen Künstlerin für die urbanen Situationen und Besonderheiten einer mittelgroßen amerikanischen Metropole, mündeten diese bald in spezifische Recherchen und anschließend in spezifische Werke, etwa zu Schauplätzen des amerikanischen Bürgerkriegs. Denn diesen wurden vor Ort zwar Gedenk- und Hinweistafeln gewidmet, die angaben, dass Near Here ein spezielles Ereignis stattgefunden hatte. Im Alltag der Menschen innerhalb ihrer autogerechten Stadt waren diese jedoch quasi un-wahrnehmbar geworden. Anette Haas erkundete in der Folge diverse historische Orte und recherchierte neben deren lokalgeschichtlichen Zusammenhängen in Archiven auch Foto- und Kartenmaterial. Die künstlerischen Übertragungen des Erarbeiteten, in etwa die bereits erwähnten Zeichnungen, sowie Foto-Montagen aus einzelnen Satellitenbildern von Gebäuden und Infrastrukturanlagen, waren Werkergebnisse, die sie mit zurück nach Berlin brachte. Das Interesse und die Auseinandersetzung mit den in Nashville aufgenommenen Phänomenen und deren Geschichte blieben ihr in der Folge fortlaufend erhalten.
Für ihre Ausstellung »ornamental« verarbeitet die Künstlerin nun Motive und Inhalte aus ihrer Reihe Nashville Ornamentals auf neue Weise: Siebdrucke der erwähnten Satellitenbilder ausgewählter Infrastrukturanlagen zeigen riesige Eisenbahnanlagen, Rückhaltebecken oder historische Festungen amerikanischen Maßstabs. Anette Haas erkennt in ihnen ornamentale Formen, weist gezielt gesetzten Ausschnitten entsprechend Begriffe wie TULIP, OVAL oder ORBIT zu und verbindet damit Struktur, Form und Wort neu.
Zudem werden neue Lithografien von Anette Haas ausgestellt. Deren Motive haben sowohl eine deutliche Nähe zu ihren zeichnerischen Werken, als sie auch durch die Kombination von Grafik und Schrift an die Nashville-Arbeiten anknüpfen. In einer vierteiligen Reihe sind beispielsweise Linienzeichnungen kurze, einsilbige Begriffen zugeordnet, die sowohl im Englischen als auch im Deutschen existieren, jedoch mit unterschiedlicher Bedeutung – sogenannte »false friends«. Schrift und Zeichnung werden so zu Elementen dieser beziehungsreichen Wort-Bild-Kompositionen verknüpft.
Während die Technik der Lithografie auf eine frühe Faszination aus dem eigenen Studium zurückgeht, ist der grundsätzliche Fokus auf künstlerische Techniken als solche auch ein Ergebnis der Arbeit von Anette Haas als Professorin am Fachgebiet Kunst und Gestaltung des Studiengangs Architektur der Leibniz Universität Hannover, das sie seit 2014 leitet. Die inneren Zusammenhänge künstlerischer Arbeit an Studierende der Architektur zu vermitteln, hat sie auf eine Vielzahl inspirierender Wege geführt. Gerade auch hinsichtlich einer Rückbesinnung auf grundlegende künstlerische Werk-Techniken eröffnete diese andere Art der Auseinandersetzung mit Inhalt, Ausdruck, Motivfindung und Realisierung seither einen erneuerten Blick und andere Möglichkeiten auf die Umsetzung ihrer künstlerischen Konzepte.
Gab also die Ausstellung .rand.bedingungen. von 2012 noch tiefe Einblicke in ihre langjährige Auseinandersetzung mit Malerei, Farbe und Farbraum, waren 2016 in Weißbruch Papierarbeiten mit Pigmentstiften aufwändig händisch anlegten Farbflächen und deren Wechselwirkung mit speziellen Oberflächen- und Materialeigenschaften des Papiers zentral. 2020, in Schraffuren, trat dann mit Gips-Gusstechnik und grundlegenden zeichnerischen Arbeiten bereits eine in der Lehre weiterentwickelte Thematik in das Spektrum der Werke von Anette Haas ein. Mit »ornamental« erweitert sie nun diese Reihe um eine konsequente Ausstellung zur Wechselwirkung von konzeptbasiertem Inhalt und künstlerischer Technik.
… EN …
Anette Haas — »ornamental«
The significance of color, form, line, space, and site are central topics in the artistic work of Anette Haas. In addition to a focus on painting, her first solo exhibition, .rand.bedingungen. at dr. julius in 2012, included two works and an artist’s book from her Near Here project as well. In it, terms such as a shouting and a shrieking were written in a distinctive stencil font and juxtaposed with hand-drawn lineatures of different variants. The backdrop to this was the observations and experiences the artist made during a residency in Nashville, Tennessee. She moved around the city using a bicycle, a completely atypical means of transport for the locale, which got her to extraordinary places. With the help of the then-emerging satellite-based maps and photos, she was able to make unexpected discoveries. With the European artist’s keen eye for the urban situations and peculiarities of a medium-sized American metropolis, these soon led to specific research and subsequently to specific works, for example on sites of the American Civil War. Memorial and information plaques had been put up locally, indicating that a special event had taken place near here. However, these had become virtually imperceptible in the everyday lives of the people within their car-friendly city. Anette Haas proceeded to explore various historical sites and researched not only their local historical context in archives, but also photo and map sources. The artistic translations of what she had learned, such as the aforementioned drawings, as well as photo montages of individual satellite images of buildings and infrastructure, were the results of her work that she took back to Berlin. Her interest in and examination of the phenomena and history she encountered in Nashville remained with her and continued to grow.
For her exhibition »ornamental«, the artist is now reworking the motifs and content from her series Nashville Ornamentals in a new way: silkscreens of the previously mentioned satellite images showing selected infrastructure reveal huge railroad systems, reservoirs, and historic fortresses on an American scale. Anette Haas recognizes ornamental forms in them, assigns terms such as TULIP, OVAL or ORBIT to deliberately cropped sections and thus combines structure, form and word in a new way.
In addition, new lithographs by Anette Haas are being exhibited. Their motifs are clearly related to her drawings, and their combination of graphics and writing also links them to the Nashville works. In a four-part series, for example, line drawings are assigned to short, monosyllabic terms that exist in both English and German but have different meanings – so-called »false friends«. Writing and drawing are thus linked to elements of these evocative word-image compositions.
While the technique of lithography goes back to an early fascination from her own studies, the fundamental focus on artistic techniques as such is also a result of Anette Haas‘ work as a professor at the Department of Art and Design in the Architecture Program at Leibniz Universität Hannover, which she has headed since 2014. Communicating the inner connections of artistic work to students of architecture has led her down a variety of inspiring paths. Especially with regard to a return to basic artistic techniques, this different way of dealing with content, expression, motif development and realization has since opened up a renewed view and different possibilities for implementing her artistic concepts.
While the 2012 exhibition .rand.bedingungen. (i.e. .marginal.condition.) provided deep insights into her long-standing engagement with painting, color and chromatic space, the 2016 Weißbruch (i.e. stress whitening) exhibition centered on works on paper, with pigment pencils used to create elaborate hand-drawn color fields and their interaction with the paper’s special surface and material properties. In 2020, in Schraffuren (i.e. hatchings), a plaster casting technique and fundamental drawing works already entered the spectrum of Anette Haas’s works as a topic further developed in teaching. With »ornamental«, she is now expanding this series with a consistent exhibition on the interaction between concept-based content and artistic technique.
• drucken… Anette Haas & Aiko Tezuka [JP]. Alain Biltereyst [BE]. Astrid Schindler [DE]. Denise Winter [DE]. Don Voisine [US]. Hansjörg Schneider [DE]. Majla Zeneli . Sarah Smolders.
• fragiler Augenstand — DENISE WINTER · DAVID SEMPER
• Oliver Siebeck – Flusserbiografie
Eröffnung am Donnerstag, 12. September 2024, 17 bis 21 Uhr
Einführung um 19 Uhr
Am Eröffnungswochenende Freitag, 13. September und Samstag, 14. September 2024 von 14 bis 18 Uhr geöffnet; darüber hinaus und am Sonntag, 15. September 2024 auf Verabredung zu sehen.
Ausstellung bis 26. Oktober 2024
Ausstellung im Vilém Flusser Archiv, Berlin
Eröffnung Freitag, 24. Mai 2024 von 17 bis 20 Uhr
Einführung von Dr. Anita Jóri um 18:30 Uhr
Vilém Flusser Archiv
c/o Universität der Künste Berlin
Medienhaus, Raum 208
Grunewaldstraße 2–5
10823 Berlin
Bastian Hoffmann [DE] — how to turn your work place into a sheet of paper, 2018
Video, Farbe, Ton, 05:52 min
Maik Schierloh [DE] — Babette wall work, 2018
Video by Birgit Höllmer, 02:11 min
karin sander _ imi knoebel
_ + _
_ ignasi aballí _ carl andre _ alain biltereyst _ franziska degendorfer _ edith dekyndt _ tom früchtl _ joachim grommek _ margareta hesse _ bastian hoffmann _ david ireland _ via lewandowsky _ sylvan lionni _ robert ryman _ maik schierloh _ richard stipl _ sabine straub _ günther uecker _ veronika veit _ beat zoderer _ et al.
Werke aus der Sammlung Frank F. Drewes
*1959 in Kamen, NRW
Lebt und arbeitet in Berlin und Dresden
drj Programmkünstlerin seit 2012
www.monikabrandmeier.de, www.instagram.com/monikabrandmeier, www.klassebrandmeier.de
*1980 in Venray, Prov. Limburg [NL]
Lebt und arbeitet in Rotterdam.
Programmkünstler seit 2017.
www.willembesselink.nl, www.instagram.com/willembesselink
Ausstellungen und Beteiligungen:
*1979 in Petersburg, Virginia [US]
Lebt und arbeitet in Grand Rapids, Michigan [US]
drj Programmkünstlerin seit 2019
www.mandycano.com, www.instagram.com/mandy_cano_villalobos
b. 1950, Taiwan. Lives in Brooklyn, NY
:::EN only:::
Selected web links, resources and background material on the artist’s dialogue with the concept of protocol
Basic information
. »One Year Performance 1980—1981 (Time Clock Piece)« on tehchinghsieh.net
. The work on Google Arts&Culture
. Website Neue Nationalgalerie Berlin
. »Doing time«, on adrianheathfield.net
. 360° virtual rendition. Interactive presentation of »Doing time« at the 57th Venice Art Biennale, curated by Adrian Heathfield
Tehching Hsieh: »One Year Performance 1980—1981 (Time Clock Piece)«. Fragment from the installation of »Doing time« at the 57th Venice Biennale. Photograph: Hugo Glendinning. Copyright © 2017 Tehching Hsieh.
Newspaper articles
. DE: Tagesspiegel, FAZ, Berliner Zeitung, Monopol
. EN: Frieze, Guardian, Guardian, Hyperallergic, SB
Videos
. FACT Liverpool [1:29 min], 2010
. Tate [3:38 min]: Statements by Tehshing Hsieh on the work
. Case Study 34 [7:04 min]: Tehching Hsieh
. Vernissage TV [8:45 min]: Tehching Hsieh: »Doing time«. Taiwan Pavilion, 57th Venice Art Biennale 2017
. Das PLATFORMS [9:01 min] & Carriageworks [2:30 min] on the presentation in Sydney, 2014
Detailed presentations
. Transmediale 2011: [18:09 min]: Adrian Heathfield presents the work of Tehching Hsieh
. Outside Again [25:05 min]: Film by Adrian Heathfiled and Hugo Glendinning on the third One Year Performance by Tehching Hsieh, shown alongside the exhibition »Doing time« at the Taiwan Pavilion of the 57th Venice Art Biennale in 2017
. Center for Chinese Studies 2022 [2 hrs 2:33 min]: Conversation between Tehching Hsieh and Professor Michael Berry, Director of the UCLA, Center for Chinese Studies.
Standard publication
. Adrian Heathfield: OUT OF NOW. London, 2009
Tehching Hsieh: »One Year Performance 1980—1981 (Time Clock Piece)«. Photo from the exhibition at Neue Nationalgalerie Berlin. Photo M.Seidel, Copyright © 2023 Tehching Hsieh.
*1980 in Venray, Niederlande
Lebt und arbeitet in Rotterdam
drj Programmkünstler seit 2017.
www.willembesselink.nl, instagram.com/willembesselink
Ausstellungen und Beteiligungen:
*1955, Valparaiso, FL, USA
Lebt und arbeitet in NYC.
drj Programmkünstler seit 2018.
www.michaelrouillard.com
Ausstellungen und Beteiligungen: