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Haleh Redjaian ; Esther Seidel ; Joanna Mico ; Maik Teriete
New works based on silk–woven fabrics from Japan, accompanied by four international perspectives on the art of working with thread
Opening Thursday, July 24, 2025, 5 to 9 pm
Exhibition through September 20, 2025
drj-art-projects.com/yasuaki-kuroda-counterpoint/
More very soon…
FERNANDA FRAGATEIRO + JAROMÍR NOVOTNÝ
___EN___ [für DE hier klicken]
Lecture on the Final Day July 12, 2050 at 3 pm
Detlef Baltrock reads from the »Mikrogramme« by Robert Walser,
following an introduction to live and work of the author by Dr. Dieter Roser.
Opening Sunday, May 25, 2025, 2 to 6 pm
Exhibition through Saturday, July 12, 2025
Daily by appointment + Saturdays 2 to 7 pm
flower days — my thought knows me
FERNANDA FRAGATEIRO + JAROMÍR NOVOTNÝ
dr.julius art projects is delighted to announce its 101st exhibition: a duo presentation by Fernanda Fragateiro from Portugal and Jaromír Novotný from the Czech Republic.
The two internationally renowned artists first came into contact with drj in 2018, through the planning and curation of the CENTURY. idee bauhaus project, to which they each contributed one piece out of a total of 100 works.
Since their artistic positions contribute important new impulses to the programme of dr.julius art projects, and Fernanda and Jaromír share a long friendship as artists, the idea of a duo presentation at drj in Berlin was a logical subsequent step. It had been planned for 2020. However, due to external circumstances, the pandemic and its far-reaching consequences, the project had to be postponed again and again. But it was never given up. Finally, last year, we succeeded in setting a firm date for the exhibition in May 2025… almost five years after it was first scheduled.
flower days — my thought knows me is based on a mutually developed conceptual framework: Starting from Fernanda Fragateiro’s interest in the book as an object, and currently in working with and on the »Mikrogramme« of Swiss writer Robert Walser, Jaromír Novotný has created a series of new works that relate to Fragateiro’s objects in a very specific way. The compositional arrangement of the exhibition at dr.julius art projects creates a spatial manifestation of the tenuous relationships between these selected artworks.
Fernanda Fragateiro is interested in concepts such as »hiding and revealing,« »emotional geography,« »the skin of language,« »not knowing,« »almost,« and »being small and staying small« that she finds in Walser’s texts, all of these being concepts she regards as seeds of thought within the author’s mysterious works. These aspects of Walser’s oeuvre thus became a bridge between the ideas and forms of the two artists.
Three of Fernanda Fragateiro’s artworks are made from six copies of the complete edition of the »Mikrogramme«. The books were sliced with a cutting machine to reveal the texture of the printed words. This texture is a reference to Walser’s illegible texts. Three further objects consist of printed paper that has been cut up using the same process, creating different shadows. »A shadow is something that lies on the surface, but in these works it comes to the surface from within. These shadows reveal the exact shape of a particular text selected from the micrograms: the geometric shape of the text on a page of a book.« [Fernanda Fragateiro]
Jaromír Novotný has recently been working on incorporating found objects from his everyday environment into his art: parts of objects, materials such as erasers, childhood toys, plastic flowers, and beads. Novotný finds a special connection between the nature of these small objects and Walser’s seemingly »unimportant« themes. »All the objects I have found are hidden behind canvases. And thus not freely accessible. This can be directly linked to Fernanda’s view of the hidden content of Walser’s texts,« the artist states.
The exhibition title has also been developed within this stimulating and prolific exchange. It encapsulates the entire process as a juxtaposition of two linguistic elements that complement each other and combine to form a new expression: flower days — my thought knows me.
The relentless engagement with one another as well as with the content-related questions of an exhibition concept – and thus with art itself – has ultimately resulted in a new, distinctive and valuable entity.
flower days — my thought knows me
FERNANDA FRAGATEIRO + JAROMÍR NOVOTNÝ
Opening Sunday, May 25, 2025, 2 to 6 pm
Exhibition through Saturday, July 12, 2025
Daily by appointment + Saturdays 2 to 7 pm
___DE___ [click here for EN]
Lesung am Final Day der Ausstellung, 12. Juli 2025 um 15 Uhr
Detlef Baltrock liest aus den »Mikrogrammen« von Robert Walser,
nach einer Einführung in Leben und Werk des Autors von Dr. Dieter Roser.
flower days — my thought knows me
FERNANDA FRAGATEIRO + JAROMÍR NOVOTNÝ
dr.julius art projects kündigt mit großer Freude seine 101. Ausstellung an: Eine Duo-Präsentation von Fernanda Fragateiro aus Portugal und Jaromír Novotný aus Tschechien.
Die beiden international renommierten Künstler:innen kamen zuerst 2018 mit drj in Kontakt, durch die Planung und Kuratierung des Projekts CENTURY. idee bauhaus, zu dem sie jeweils eines der insgesamt 100 Werke beigetragen haben.
Da ihre künstlerischen Positionen für das Programm von dr.julius art projects wichtige neue Impulse würde setzen können, und zudem Fernanda und Jaromír eine lange Künstler:innen-Freundschaft verbindet, war die Idee einer Duo-Präsentation bei drj in Berlin folgerichtig. Diese war für 2020 geplant. Aufgrund der äußeren Umstände, der Pandemie und dann ihrer weitreichenden Folgen, musste das Vorhaben jedoch immer wieder verschoben werden. Doch aufgegebenen wurde es zu keiner Zeit. Schlussendlich ist es vergangenes Jahr gelungen, die Ausstellung für Mai 2025 fest zu terminieren… beinahe fünf Jahre nach ihrer ersten Ansetzung.
flower days – my thought knows me basiert auf einem gemeinsam entwickelten inhaltlichen Konzept: Ausgehend von Fernanda Fragateiros Interesse am Gegenstand Buch als solchem, und aktuell insbesondere an Arbeiten mit und zu den »Mikrogrammen« des Schweizer Schriftstellers Robert Walser, hat Jaromír Novotný eine Reihe von neuen Werken auf sehr spezielle Weise mit Fragateiros Objekten in Beziehung gebracht. Die Ausstellungskomposition bei dr.julius art projects bildet die räumliche Umsetzung der subtilen Beziehungen zwischen den ausgewählten Kunstwerken.
Fernanda Fragateiro interessieren an den Texten Walsers Konzepte wie das »Verstecken und Enthüllen«, die »emotionale Geografie«, die »Haut der Sprache«, das Nichtwissen«, das »beinahe« sowie das »klein sein und klein bleiben«, die sie als Gedanken in diesen geheimnisvollen Werken des Autors findet. Diese Aspekte zu Walser wurden so zu einer Brücke zwischen den Ideen und Formen der beiden Künstler:innen.
Drei der Werke Fernanda Fragateiros sind aus sechs Exemplaren der Gesamtausgabe der Mikrogramme hergestellt. Die Bücher wurden dafür mit einer Schneidemaschine zerschnitten, sodass die Textur der gedruckten Wörter zum Vorschein kommt. Diese Textur ist eine Referenz an Walsers unlesbare Texte. Drei weitere Objekte bestehen aus bedrucktem Papier, das nach dem gleichen Verfahren zerteilt wurde, was unterschiedliche Schatten sichtbar werden lässt. »Ein Schatten ist etwas, das an der Oberfläche liegt, aber in diesen Arbeiten kommt er von innen an die Oberfläche. Diese Schatten offenbaren die exakte Form eines bestimmten Textes, der aus den Mikrogrammen ausgewählt wurde: Die geometrische Form des Textes auf einer Buchseite.« [Fernanda Fragateiro]
Jaromír Novotný beschäftigt sich in jüngster Zeit mit der Einarbeitung von Fundstücken aus seinem alltäglichen Umfeld in seine Werke.: Teile von Gegenständen, Materialien, wie etwa Radiergummis, Spielsachen aus der Kindheit, Plastikblumen oder Perlen. Die jeweilige Beschaffenheit dieser kleinen Objekte sieht Novotný in besonderer Weise mit Walsers scheinbar »unwichtigen« Themen verbunden. »Alle meine gefundenen Objekte sind hinter Leinwänden versteckt. Und somit nicht offen zugänglich. Das lässt sich direkt mit Fernandas Blick auf die versteckten Inhalte der Walser’schen Texte verbinden.«
Innerhalb eines anregenden und fruchtbaren Austauschs ist zudem der Ausstellungstitel entwickelt worden. Er trägt den ganzen Prozess unmittelbar in sich, als Gegenüber zweier sprachlicher Elementen, die einander ergänzen und sich zu einem neuen Ausdruck verbinden: flower days – my thought knows me.
Die über lange Zeit hinweg unbeirrt fortgesetzte Auseinandersetzung miteinander sowie mit den inhaltlichen Fragen einer Ausstellungskonzeption – und darin mit der Kunst an sich – hat sich zu einem neuen, unverwechselbaren und wertvollen Ganzen gefügt.
flower days — my thought knows me
FERNANDA FRAGATEIRO + JAROMÍR NOVOTNÝ
Eröffnung Sonntag, 25. Mai 2025, 14 bis 18 Uhr
Ausstellung bis Samstag, 12. Juli 2025
Täglich auf Vereinbarung und samstags von 14 bis 19 Uhr
Geordnet nach Nachnamen | Sorted by Last Name
. Eröffnung am Sonntag, 16. März 2025, von 13 – 18 Uhr.
. Special Event am 12. April 2025, inklusive einer Soundperformance in Kooperation mit mi—so.
. Finissage Sonntag, 4. Mai 2025, letzter Tag des Berlin Gallery Weekend, von 12 – [mindestens] 16 Uhr.
. Öffnungszeiten generell täglich auf Vereinbarung* und samstags von 14 – 19 Uhr.
. Am Wochenende vom 27. – 30. März 2025 geschlossen.
* Bitte möglichst einen Tag zuvor per e-Mail Kontakt aufnehmen!
. Für die Namensliste aller Teilnehmenden bitte hier klicken!
. Für den Online-Ausstellungbegleiter bitte hier klicken!
. Ein Beitrag zur Ausstellung im Deutschlandfunk Kultur vom 17. März 2025 kann hier angehört werden.
::::: DE ::::: [scroll down for EN, please]
Lange war klar, dass im Frühjahr 2025 die 100. Ausstellung bei dr.julius art projects in Berlin stattfinden würde. Anstatt jedoch zurückzublicken und die Entwicklung oder die Geschichte von drj seit 2008 zum Thema zu machen, sind wir viel mehr daran interessiert, wie wir alle weitermachen werden. Um das herauszufinden, haben wir dieses partizipative Mail–Art–Projekt gestartet.
Angesichts der unzähligen Krisen unserer Zeit, die vom Zerfall lokaler Kulturräume, den Verwerfungen in unseren Gesellschaften, einer steigenden Anzahl bewaffneter Konflikte und faschistisch-autoritären Tendenzen weltweit, bis hin zur offensichtlich nicht mehr umkehrbaren globalen Klimakatastrophe reichen, wollen wir umso mehr nach vorne schauen. In unserem Gedankenaustausch und den fortlaufenden Gesprächen mit kreativen Menschen weltweit haben wir festgestellt, dass sich viele von uns ständig und immer häufiger grundlegende Fragen stellen, etwa: »Wie mache ich trotz alledem weiter? Was ist die sinnvolle und relevante Bedeutung meiner Arbeit? Wie schaffe ich es, motiviert zu bleiben?« usw. Und die überwiegende Mehrheit von uns findet fast täglich individuelle Antworten auf diese Fragen. Daher ist …and going on. ein Projekt, das darauf abzielt, die vielen verschiedenen Wege aufzuzeigen, um weiterzumachen – von den eigenen inneren Konflikten bis zur tiefen Entschlossenheit, durchzuhalten.
Daher hat dr.julius art projects seit 0ktober 2024 Künstler:innen, Kurator:innen, Direktor:innen, Sammler:innen konzeptueller minimaler und verwandter Bereiche der zeitgenössischen Kunst eingeladen, ihre persönlichen Antworten mit uns zu teilen, komprimiert auf das klassische Medium der Postkarte. Mehr als 350 Eingeladene sendeten eine Antwort per Post auf die Rote Insel in Berlin.
Die Frage „Was lässt DICH weitermachen?“ wurde höchst unterschiedlich umgesetzt. Es ist eine ganz besondere Auswahl an künstlerischen Gedanken, Haltungen, Ansätzen, Ideen und Werken zusammengekommen. Die kollektive Aussage, die daraus hervorgeht, kann als eine Art Gesamtkunstwerk gelten, das aus allen Beteiligten, dem Inhalt und dem Medium sowie der Zeit und dem Ort der Ausstellung besteht. Aus den Beiträgen unterschiedlichster Akteurinnen und Akteure dieses künstlerischen Feldes ist ein wertvoller Ausdruck der schöpferischen und widerständigen Kraft der Kunst an sich entstanden.
Als Zeitdokument von Ende 2024 bis Anfang 2025 kann man es auch als einen Querschnitt von Ideen und Konzepten lesen, welche Hoffnung wecken, gegen die Widrigkeiten der Welt, wie sie sich heute darstellt.
Die Essenz der Einladung war wie folgt formuliert:
die Frage: Was lässt DICH weitermachen?
das Medium: Schickt uns eine Postkarte!
das Ergebnis: Die 100. drj-Ausstellung.
der Inhalt: Eine kollektive künstlerische Aussage.
die Botschaft: Wir werden sehen…
dr. julius art projects
Leberstr. 60 · D—10829 Berlin
::::: EN :::::
…and going on.
the drj 100th — a Mail–Art project
. Opening on Sunday, March 16, 2025, from 1 –6 pm.
. Special event on April 12, 2025, including a sound performance in cooperation with mi—so.
. Finissage Sunday, May 4, 2025, the last day of the Berlin Gallery Weekend, from 12 – [at least] 4 pm.
. Opening hours in general daily by appointment* and Saturdays from 2–7 pm.
. Closed over the weekend of March 27–30, 2025.
* Please contact us one day in advance by e-mail!
. To see the list of all participants, please click here!
. For the online exhibition guide, please click here!
It has long been forseeable that in spring 2025, the 100th exhibition would take place at dr.julius art projects in Berlin. However, instead of looking back and making the development or the history of drj since 2008 the subject, we are much more interested in how all of us will continue. To find that out, we started this participative Mail–Art project.
Facing the countless crises of our times, ranging from the disintegration of local cultural landscapes, the upheavals in various societies, a rising number of armed conflicts and fascist-authoritarian tendencies worldwide, to the global climate catastrophe that can obviously no longer be reversed, we want to look ahead all the more. In our exchange of thoughts and ongoing conversations with creative minds worldwide, we have noticed that many of us are constantly and increasingly asking ourselves fundamental questions, like: »How do I continue despite all of this? What is the meaningful relevance of my work? How do I manage to stay motivated?« etc. And the vast majority of us find individual answers to these questions almost every day. …and going on. thus is a project that aims to demonstrate the many different ways to keep going ahead, reaching from personal inner struggle to the deep resolve to carry on.
Therefore, in October 2024, dr.julius art projects invited artists, curators, directors, collectors of conceptual minimal and related sectors of contemporary art to share their personal answers with us, condensed to the classic medium of the postcard. More than 350 invitees did respond and sent a contribution via mail to Berlin’s Rote Insel.
The question »What keeps YOU going?«, was answered in a huge variety of ways. The exhibition now brings together a very special selection of artistic thoughts, attitudes, approaches, ideas and works.. And the collective statement that emerges from this, can be seen as a kind of Gesamtkunstwerk, consisting of all the people committing, the content and the medium, as well as the time and space of the exhibition. Created from the contributions of a wide range of actors in this artistic field, it has become a valuable expression of the creative and resistant power of art per se.
As a contemporary document from late 2024 and early 2025, it targests to be a cross-section of ideas and concepts that inspire hope against the adversities of the world as it appears today.
The essence of the invitation was this:
the question: what keeps YOU going?
the medium: send us a postcard!
the result: the 100th drj exhibition.
the content: a collective artistic statement.
the message: we will see…
dr. julius art projects
Leberstr. 60 · D—10829 Berlin
::::: EN :::::
INVITATION TO CONTRIBUTE
to all artists, curators, directors, collectors of conceptual minimal art [& beyond 🙃]
In spring 2025, the 100th exhibition will take place at dr. julius art projects in Berlin.
However, instead of looking back and making the development or the history of drj since 2008 the subject, we are much more interested in how all of us will continue. To find out, we started this participative Mail Art project.
Facing the countless crises of our times, ranging from the disintegration of local cultural landscapes, the upheavals in various societies, a rising number of armed conflicts and fascist-authoritarian tendencies worldwide, to the global climate catastrophe that can obviously no longer be reversed, we want to look ahead all the more. In our exchange of thoughts and ongoing conversations with creative minds worldwide, we have noticed that many of us are constantly and increasingly asking ourselves fundamental questions, like: »How do I continue despite all of this? What is the meaningful relevance of my work? How do I manage to stay motivated?« etc. And the vast majority of us find individual answers to these questions almost every day. …and going on. thus is a project that aims to demonstrate the many different ways to keep going ahead, reaching from personal inner struggle to the deep resolve to carry on.
Therefore, we invite all artists, curators, directors, collectors of conceptual minimal and related sectors of contemporary art to share their personal answers with us, condensed to the classic medium of the postcard.
The question »What keeps YOU going?«, answered in a variety of ways by all of these who, like us, have a very specific interest in the examination of intellectual concepts and their transfer into works of art, will bring together a very special selection of artistic thoughts, attitudes, approaches, ideas and works, we are convinced. And the collective statement that emerges from this, will be a kind of Gesamtkunstwerk, consisting of all the people committing, the content and the medium, as well as the time and space of the exhibition. Created from the contributions of a wide range of actors in this artistic field, it will be a valuable expression of the creative and resistant power of art per se.
As a contemporary document from late 2024 and early 2025, it will also and especially be a cross-section of ideas and concepts that inspire hope against the adversities of the world as it appears today, we believe.
So, here is the essence of this invitation:
the question: what keeps YOU going?
the medium: send us a postcard!
the result: the 100th drj exhibition.
the content: a collective artistic statement.
the message: we will see…
please send your postcard any time, asap, but for sure before January 15, 2025
the exhibition featuring all contributions will then be on view March — May, 2025
dr. julius art projects
Leberstr. 60 · D—10829 Berlin
Questions and Answers:
. Q1: Will the contributions be for sale? Will the postcards be returned?
. A1: This is not an art market project. All contributions will become part of a collective work, with each individual postcard being an integral, non-replaceable element of. Therefore, single cards will neither be for sale nor will they be returned.
. Q2: There are different sizes of postcards. Can I choose the format myself?
. A2: Our project does refer to the tradition of Mail Art, of course. This also makes it clear that the only limit is, that your contribution can be sent by mail. So, as for the format or size, we deliberately chose not to provide any further specifications.
. Q3: What will happen to the postcards after the exhibition?.
. A3: On the one hand, we will try to exhibit the complete project in other venues. And, of course, we will archive everything and also try to find an institution that will keep and preserve it.
. Q4: Can I forward the invitation?
. A4: Definitely yes. Please let friends and colleagues who you think might be interested in this project know about it.
. Q5: Is the invitation to contribute aimed only at visual artists, or are musicians, writers and actors also invited to submit their statements?
. A5: Our leitmotif here is called “Creative Minds”. So, we mean all people who work inventively in the field of art. Nevertheless, there should always be a relation to our programme – in the broadest senses of the word!
. Q6: First of all, a question: How many postcards are to be produced or printed?
. A6: For the project itself, we only need a single postcard from each participant. These will then remain an integral part of the overall project. However, we have also considered the possibility that some participants might want to turn their contribution into a special edition. We think this is a good idea, and we would be pleased to distribute it here.
. Q7: What kind of postcard or motif do you expect: something especially made for this project, a work of art in itself, so to speak? Or can it also be an existing illustration of something that to me seems appropriate here?
. A7: In terms of content, it is completely up to you what will be seen, read or otherwise perceived on the postcard – as long as it represents what is keeping you, the sender, going. Thus, it may be hand-made, self-designed, or found, or combine both, or whatever…
. Q8: Can my contribution also be a postcard I find, a readymade?
. A8: See question above. Here, too, the principle applies that the participants are free to decide everything themselves. As long as a found postcard seems appropriate to the sender in this context, of course. Also, if you use front and backside of the card, if it is made from cardboard or other materials etc. is only limited by the mail services regulations, i.e. it must be able to be sent by mail…
. Q9: Is it about a text-based statement, or about images without any description?
. A9: That is entirely up to the respective authors. And since there is always a front and back of the card, combinations of all kinds are conceivable.
. Q10: Am I supposed to send the postcard as such, or put it in an envelope? If the air-mailing process is important, I will mail it directly, like ON KAWARA’s „I Got Up“ series. Or would it be better to send the card in an envelope?
. A10: Regarding the question, whether a postcard should be sent with or without an envelope: in the tradition of mail art, the way in which the postcard is dispatched becomes part of the contribution, i.e. the traces of transportation, from the printed postmark to possible creases, are part of it. We would prefer it that way – also to keep things simple for everyone. And besides, the idea is for artists not to produce works that are too valuable and too expensive to protect, such as delicate unique pieces… to minimize their investment of time and effort. But we certainly do not want to create any exclusion criteria, and we do not want to make any overly strict specifications. So, who prefers their card to be protected in an envelope, send it to us that way. We will just have to think about how to handle the envelope in the exhibition – whether it is part of their entry or not.
[Please check for updates regularly: new questions posed will constantly be answered here.]
::::: DE :::::
…and going on.
the drj 100th — a Mail Art project.
EINLADUNG ZUR BETEILIGUNG
an alle Künstler:innen, Kurator:innen, Direktor:innen, Sammler:innen konzeptueller minimaler Kunst [& darüber hinaus 🙃]
Im Frühjahr 2025 wird die 100. Ausstellung bei dr. julius art projects in Berlin stattfinden.
Anstatt jedoch zurückzublicken und die Entwicklung oder die Geschichte von drj seit 2008 zum Thema zu machen, sind wir viel mehr daran interessiert, wie wir alle weitermachen werden. Um das herauszufinden, haben wir dieses partizipative Mail-Art-Projekt gestartet.
Angesichts der unzähligen Krisen unserer Zeit, die vom Zerfall lokaler Kulturräume, den Verwerfungen in unseren Gesellschaften, einer steigenden Anzahl bewaffneter Konflikte und faschistisch-autoritären Tendenzen weltweit, bis hin zur offensichtlich nicht mehr umkehrbaren globalen Klimakatastrophe reichen, wollen wir umso mehr nach vorne schauen. In unserem Gedankenaustausch und den fortlaufenden Gesprächen mit kreativen Menschen weltweit haben wir festgestellt, dass sich viele von uns ständig und immer häufiger grundlegende Fragen stellen, etwa: »Wie mache ich trotz alledem weiter? Was ist die sinnvolle und relevante Bedeutung meiner Arbeit? Wie schaffe ich es, motiviert zu bleiben?« usw. Und die überwiegende Mehrheit von uns findet fast täglich individuelle Antworten auf diese Fragen. Daher ist …and going on. ein Projekt, das darauf abzielt, die vielen verschiedenen Wege aufzuzeigen, um weiterzumachen – von den eigenen inneren Konflikten bis zur tiefen Entschlossenheit, durchzuhalten.
Wir laden daher alle Künstler:innen, Kurator:innen, Direktor:innen, Sammler:innen konzeptueller minimaler und verwandter Bereiche der zeitgenössischen Kunst ein, ihre persönlichen Antworten mit uns zu teilen, komprimiert auf das klassische Medium der Postkarte.
Die Frage „Was lässt DICH weitermachen?“, die unterschiedlich beantwortet wird von all denen, die wie wir ein ganz spezielles Interesse an der Auseinandersetzung mit intellektuellen Konzepten und deren Umsetzung in Kunstwerke haben, wird eine ganz besondere Auswahl an künstlerischen Gedanken, Haltungen, Ansätzen, Ideen und Werken zusammenbringen, davon sind wir überzeugt. Und die kollektive Aussage, die daraus hervorgeht, wird eine Art Gesamtkunstwerk sein, das aus allen Beteiligten, dem Inhalt und dem Medium sowie der Zeit und dem Ort der Ausstellung besteht. Entstanden aus den Beiträgen unterschiedlichster Akteurinnen und Akteure dieses künstlerischen Feldes, wird es ein wertvoller Ausdruck der schöpferischen und widerständigen Kraft der Kunst an sich sein.
Als Zeitdokument von Ende 2024 bis Anfang 2025 wird es auch und vor allem ein Querschnitt von Ideen und Konzepten sein, die Hoffnung wecken, gegen die Widrigkeiten der Welt, wie sie sich heute darstellt, so glauben wir.
Hier ist also die Essenz dieser Einladung:
die Frage: Was lässt DICH weitermachen?
das Medium: Schickt uns eine Postkarte!
das Ergebnis: Die 100. drj-Ausstellung.
der Inhalt: Eine kollektive künstlerische Aussage.
die Botschaft: Wir werden sehen…
Bitte schickt uns eure Postkarte jederzeit, so schnell wie möglich, aber auf jeden Fall vor dem 15. Januar 2025.
Die Ausstellung mit allen Beiträgen wird dann von März bis Mai 2025 zu sehen sein.
dr. julius art projects
Leberstr. 60 · D—10829 Berlin
Fragen und Antworten:
. Q1: Werden die Beiträge zum Verkauf stehen? Werden die Postkarten zurückgegeben?
. A1: Dies ist kein Projekt für den Kunstmarkt. Alle Beiträge werden Teil eines kollektiven Werkes, wobei jede einzelne Postkarte ein integraler, nicht ersetzbarer Bestandteil davon ist. Daher werden einzelne Karten weder zum Verkauf stehen noch zurückgegeben werden.
. F2: Es gibt Postkarten in verschiedenen Größen. Kann ich das Format selbst wählen?
. A2: Unser Projekt bezieht sich selbstverständlich auf die Tradition der Mail Art. Damit ist auch klar, dass die einzige Einschränkung darin besteht, dass dein Beitrag per Post verschickt werden kann. Was das Format oder die Größe betrifft, haben wir uns bewusst dafür entschieden, keine weiteren Spezifikationen anzugeben.
. F3: Was passiert mit den Postkarten nach der Ausstellung?
. A3: Zum einen werden wir versuchen, das gesamte Projekt an anderen Orten auszustellen. Und natürlich werden wir alles archivieren und versuchen, eine Institution zu finden, die es aufbewahrt und erhält.
. F4: Darf ich die Einladung weiterleiten?
. A4: Auf jeden Fall! Bitte informiere Freund:innen und Kolleg:innen, von denen du denkst, dass sie an diesem Projekt interessiert sein könnten, darüber.
. F5: Richtet sich die Einladung zur Mitwirkung nur an bildende Künstler oder sind auch Musiker, Schriftsteller und Schauspieler eingeladen, ihre Statements einzureichen?
. A5: Unser Leitmotiv heißt hier „Creative Minds“. Wir meinen also alle Menschen, die im Bereich der Kunst schöpferisch tätig sind. Dennoch sollte immer ein Bezug zu unserem Programm bestehen – im weitesten Sinne des Wortes!
. F6: Zunächst eine Frage: Wie viele Postkarten sollen produziert oder gedruckt werden?
. A6: Für das Projekt selbst benötigen wir von jedem Teilnehmer nur eine einzige Postkarte. Diese bleiben dann integraler Bestandteil des Gesamtprojekts. Wir haben jedoch auch die Möglichkeit in Betracht gezogen, dass einige Teilnehmer ihren Beitrag in eine Auflage überführen möchten. Wir halten dies für eine gute Idee und würden uns freuen, sie hier zu vertreiben.
. F7: Was für eine Art von Postkarte oder Motiv erwartet ihr: etwas, das speziell für dieses Projekt angefertigt wurde, sozusagen ein Kunstwerk an sich? Oder kann es auch eine bereits existierende Illustration von etwas sein, das mir hier passend erscheint?
. A7: Inhaltlich ist es euch völlig freigestellt, was auf der Postkarte zu sehen, zu lesen oder sonstwie wahrzunehmen ist – solange es das repräsentiert, was euch als Absender, bewegt. Es kann also handgemacht, selbst gestaltet, gefunden, oder beides kombiniert, oder was auch immer sein…
. F8: Kann mein Beitrag auch eine gefundene Postkarte sein, ein Readymade?
. A8: Siehe Frage oben. Auch hier gilt der Grundsatz, dass die Teilnehmer alles selbst bestimmen können. Solange eine gefundene Postkarte dem Absender in diesem Zusammenhang angemessen erscheint, natürlich. Auch, ob man Vorder- und Rückseite der Karte verwendet, ob sie aus Pappe oder anderen Materialien besteht usw., ist nur durch die Postbestimmungen begrenzt, d. h. sie muss per Post versandt werden können …
. F9: Geht es um eine textbasierte Aussage oder um Bilder ohne Beschreibung?
. A9: Das liegt ganz bei den jeweiligen Autoren. Und da es immer eine Vorder- und eine Rückseite der Karte gibt, sind Kombinationen aller Art denkbar.
. F10: Soll ich die Postkarte einfach so verschicken oder in einen Umschlag stecken? Wenn der Luftpostversand wichtig ist, werde ich sie direkt versenden, wie in ON KAWARAs Serie „I Got Up“. Oder wäre es besser, die Karte in einem Umschlag zu verschicken?
. A10: Zur Frage, ob eine Postkarte mit oder ohne Umschlag verschickt werden sollte: In der Tradition der Mail Art wird die Art und Weise, wie die Postkarte versendet wird, Teil des Beitrags, d. h. die Spuren des Transports, vom aufgedruckten Poststempel bis hin zu möglichen Knickspuren, sind Teil davon. Wir fänden das gut – auch um die Sache für alle einfach zu halten. Und außerdem geht es darum, dass Künstler:innen keine Werke produzieren, die zu wertvoll und zu teuer sind, um sie zu schützen – etwa empfindliche Unikate. Aber wir wollen sicher keine Ausschlusskriterien schaffen und auch keine allzu strengen Vorgaben machen. Wer also seine Karte lieber in einem Umschlag geschützt wissen möchte, schickt sie uns so. Wir müssen dann nur noch überlegen, wie wir mit dem Umschlag in der Ausstellung umgehen – ob er Teil des Beitrags ist oder nicht.
[Bitte seht hier regelmäßig nach Updates: Neue Fragen werden ständig weiter beantwortet.]
Anette Haas — »ornamental«
&
Aiko Tezuka [JP]... Alain Biltereyst [BE]... Astrid Schindler [DE]... Denise Winter [DE]... Don Voisine [US]... Hansjörg Schneider [DE]... Majla Zeneli [AL]... Sarah Smolders [BE].
Eröffnung am Sonntag, 24. November 2024
Ausstellung bis 26. Januar 2025
… DE …
drucken… ist eine Ausstellung zur künstlerischen Technik der Vervielfältigung. Sie verbindet zwei Teile: In »ornamental« werden neue Arbeiten aus der Werkstatt von Anette Haas in den Haupträumen gezeigt. Dieser Schwerpunkt wird begleitet von Werken acht ausgewählter Künstlerinnen und Künstler.
Dies verdeutlicht zusätzlich, wie der gezielte Einsatz des Druckens Positionen der Malerei erweitert, wie bei Alain Biltereyst und Don Voisine; oder dass für ansonsten in der Textil- bzw. Installationskunst arbeitende Künstlerinnen wie Aiko Tezuka oder Sarah Smolders, das Drucken einen eigenen Wert besitzen kann. Und andererseits werden besondere, sehr speziell eingesetzte Möglichkeiten des Druckens gezeigt, wie in den Arbeiten von Majla Zeneli, Astrid Schindler, Denise Winter und Hansjörg Schneider. So verstärken sich das Nebeneinander und Zusammenwirken der Ausstellungsteile wechselseitig.
… EN …
drucken…
Anette Haas — »ornamental«
&
Aiko Tezuka [JP]... Alain Biltereyst [BE]... Astrid Schindler [DE]... Denise Winter [DE]... Don Voisine [US]... Hansjörg Schneider [DE]... Majla Zeneli [AL]... Sarah Smolders [BE].
Opening Sunday, November 24, 2024
Exhibition until January 26, 2025
drucken… (printing…) is an exhibition on the artistic technique of multiplication. It combines two sections: in »ornamental« new works from the print studio of Anette Haas in the main spaces. This focus is accompanied by works from eight selected artists.
On the one hand, this illustrates how the specific use of printing expands positions of painting, as in the work of Alain Biltereyst and Don Voisine; or how printing has its own value for artists such as Aiko Tezuka or Sarah Smolders, who otherwise work in textile respectively installation art. On the other hand, special and very specifically used possibilities of printing are on display with the works of Majla Zeneli, Astrid Schindler, Denise Winter and Hansjörg Schneider. In this way, the juxtaposition and correlation of the exhibition’s sections are mutually reinforcing.
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Anette Haas — »ornamental«
Die Bedeutung von Farbe, Form, Linie, Raum, Ort sind zentrale Themen im künstlerischen Werk von Anette Haas. In ihrer ersten Einzelausstellung .rand.bedingungen. bei dr. julius waren 2012 neben einem Fokus auf Malerei insofern auch zwei Arbeiten und ein Künstlerinnen-Buch ihres Projekts Near Here ausgestellt. Darin waren in prägnanter Schablonenschrift geschriebenen Begriffen wie a shouting, a shrieking jeweils handgezeichnete Lineaturen unterschiedlicher Varianten gegenübergestellt. Hintergrund dessen waren Beobachtungen und Erfahrungen, die die Künstlerin während eines Aufenthaltsstipendiums in Nashville/Tennessee, gemacht hatte. Ihre dortige Bewegung im Stadtraum mittels des völlig orts-untypischen Verkehrsmittels Fahrrad brachte sie an außergewöhnliche Orte. Unter Zuhilfenahme der seinerzeit gerade aufkommenden Orientierung anhand satellitengestützter Karten und Fotos eröffneten sich ihr unerwartete Beobachtungen. Mit dem genau wahrnehmenden Blick der europäischen Künstlerin für die urbanen Situationen und Besonderheiten einer mittelgroßen amerikanischen Metropole, mündeten diese bald in spezifische Recherchen und anschließend in spezifische Werke, etwa zu Schauplätzen des amerikanischen Bürgerkriegs. Denn diesen wurden vor Ort zwar Gedenk- und Hinweistafeln gewidmet, die angaben, dass Near Here ein spezielles Ereignis stattgefunden hatte. Im Alltag der Menschen innerhalb ihrer autogerechten Stadt waren diese jedoch quasi un-wahrnehmbar geworden. Anette Haas erkundete in der Folge diverse historische Orte und recherchierte neben deren lokalgeschichtlichen Zusammenhängen in Archiven auch Foto- und Kartenmaterial. Die künstlerischen Übertragungen des Erarbeiteten, in etwa die bereits erwähnten Zeichnungen, sowie Foto-Montagen aus einzelnen Satellitenbildern von Gebäuden und Infrastrukturanlagen, waren Werkergebnisse, die sie mit zurück nach Berlin brachte. Das Interesse und die Auseinandersetzung mit den in Nashville aufgenommenen Phänomenen und deren Geschichte blieben ihr in der Folge fortlaufend erhalten.
Für ihre Ausstellung »ornamental« verarbeitet die Künstlerin nun Motive und Inhalte aus ihrer Reihe Nashville Ornamentals auf neue Weise: Siebdrucke der erwähnten Satellitenbilder ausgewählter Infrastrukturanlagen zeigen riesige Eisenbahnanlagen, Rückhaltebecken oder historische Festungen amerikanischen Maßstabs. Anette Haas erkennt in ihnen ornamentale Formen, weist gezielt gesetzten Ausschnitten entsprechend Begriffe wie TULIP, OVAL oder ORBIT zu und verbindet damit Struktur, Form und Wort neu.
Zudem werden neue Lithografien von Anette Haas ausgestellt. Deren Motive haben sowohl eine deutliche Nähe zu ihren zeichnerischen Werken, als sie auch durch die Kombination von Grafik und Schrift an die Nashville-Arbeiten anknüpfen. In einer vierteiligen Reihe sind beispielsweise Linienzeichnungen kurze, einsilbige Begriffen zugeordnet, die sowohl im Englischen als auch im Deutschen existieren, jedoch mit unterschiedlicher Bedeutung – sogenannte »false friends«. Schrift und Zeichnung werden so zu Elementen dieser beziehungsreichen Wort-Bild-Kompositionen verknüpft.
Während die Technik der Lithografie auf eine frühe Faszination aus dem eigenen Studium zurückgeht, ist der grundsätzliche Fokus auf künstlerische Techniken als solche auch ein Ergebnis der Arbeit von Anette Haas als Professorin am Fachgebiet Kunst und Gestaltung des Studiengangs Architektur der Leibniz Universität Hannover, das sie seit 2014 leitet. Die inneren Zusammenhänge künstlerischer Arbeit an Studierende der Architektur zu vermitteln, hat sie auf eine Vielzahl inspirierender Wege geführt. Gerade auch hinsichtlich einer Rückbesinnung auf grundlegende künstlerische Werk-Techniken eröffnete diese andere Art der Auseinandersetzung mit Inhalt, Ausdruck, Motivfindung und Realisierung seither einen erneuerten Blick und andere Möglichkeiten auf die Umsetzung ihrer künstlerischen Konzepte.
Gab also die Ausstellung .rand.bedingungen. von 2012 noch tiefe Einblicke in ihre langjährige Auseinandersetzung mit Malerei, Farbe und Farbraum, waren 2016 in Weißbruch Papierarbeiten mit Pigmentstiften aufwändig händisch anlegten Farbflächen und deren Wechselwirkung mit speziellen Oberflächen- und Materialeigenschaften des Papiers zentral. 2020, in Schraffuren, trat dann mit Gips-Gusstechnik und grundlegenden zeichnerischen Arbeiten bereits eine in der Lehre weiterentwickelte Thematik in das Spektrum der Werke von Anette Haas ein. Mit »ornamental« erweitert sie nun diese Reihe um eine konsequente Ausstellung zur Wechselwirkung von konzeptbasiertem Inhalt und künstlerischer Technik.
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Anette Haas — »ornamental«
The significance of color, form, line, space, and site are central topics in the artistic work of Anette Haas. In addition to a focus on painting, her first solo exhibition, .rand.bedingungen. at dr. julius in 2012, included two works and an artist’s book from her Near Here project as well. In it, terms such as a shouting and a shrieking were written in a distinctive stencil font and juxtaposed with hand-drawn lineatures of different variants. The backdrop to this was the observations and experiences the artist made during a residency in Nashville, Tennessee. She moved around the city using a bicycle, a completely atypical means of transport for the locale, which got her to extraordinary places. With the help of the then-emerging satellite-based maps and photos, she was able to make unexpected discoveries. With the European artist’s keen eye for the urban situations and peculiarities of a medium-sized American metropolis, these soon led to specific research and subsequently to specific works, for example on sites of the American Civil War. Memorial and information plaques had been put up locally, indicating that a special event had taken place near here. However, these had become virtually imperceptible in the everyday lives of the people within their car-friendly city. Anette Haas proceeded to explore various historical sites and researched not only their local historical context in archives, but also photo and map sources. The artistic translations of what she had learned, such as the aforementioned drawings, as well as photo montages of individual satellite images of buildings and infrastructure, were the results of her work that she took back to Berlin. Her interest in and examination of the phenomena and history she encountered in Nashville remained with her and continued to grow.
For her exhibition »ornamental«, the artist is now reworking the motifs and content from her series Nashville Ornamentals in a new way: silkscreens of the previously mentioned satellite images showing selected infrastructure reveal huge railroad systems, reservoirs, and historic fortresses on an American scale. Anette Haas recognizes ornamental forms in them, assigns terms such as TULIP, OVAL or ORBIT to deliberately cropped sections and thus combines structure, form and word in a new way.
In addition, new lithographs by Anette Haas are being exhibited. Their motifs are clearly related to her drawings, and their combination of graphics and writing also links them to the Nashville works. In a four-part series, for example, line drawings are assigned to short, monosyllabic terms that exist in both English and German but have different meanings – so-called »false friends«. Writing and drawing are thus linked to elements of these evocative word-image compositions.
While the technique of lithography goes back to an early fascination from her own studies, the fundamental focus on artistic techniques as such is also a result of Anette Haas‘ work as a professor at the Department of Art and Design in the Architecture Program at Leibniz Universität Hannover, which she has headed since 2014. Communicating the inner connections of artistic work to students of architecture has led her down a variety of inspiring paths. Especially with regard to a return to basic artistic techniques, this different way of dealing with content, expression, motif development and realization has since opened up a renewed view and different possibilities for implementing her artistic concepts.
While the 2012 exhibition .rand.bedingungen. (i.e. .marginal.condition.) provided deep insights into her long-standing engagement with painting, color and chromatic space, the 2016 Weißbruch (i.e. stress whitening) exhibition centered on works on paper, with pigment pencils used to create elaborate hand-drawn color fields and their interaction with the paper’s special surface and material properties. In 2020, in Schraffuren (i.e. hatchings), a plaster casting technique and fundamental drawing works already entered the spectrum of Anette Haas’s works as a topic further developed in teaching. With »ornamental«, she is now expanding this series with a consistent exhibition on the interaction between concept-based content and artistic technique.
Eröffnung am Donnerstag, 12. September 2024, 17 bis 21 Uhr
Einführung um 19 Uhr
Am Eröffnungswochenende Freitag, 13. September und Samstag, 14. September 2024 von 14 bis 18 Uhr geöffnet; darüber hinaus und am Sonntag, 15. September 2024 auf Verabredung zu sehen.
Ausstellung bis 26. Oktober 2024
Ausstellung im Vilém Flusser Archiv, Berlin
Eröffnung Freitag, 24. Mai 2024 von 17 bis 20 Uhr
Einführung von Dr. Anita Jóri um 18:30 Uhr
Vilém Flusser Archiv
c/o Universität der Künste Berlin
Medienhaus, Raum 208
Grunewaldstraße 2–5
10823 Berlin
Bastian Hoffmann [DE] — how to turn your work place into a sheet of paper, 2018
Video, Farbe, Ton, 05:52 min
Maik Schierloh [DE] — Babette wall work, 2018
Video by Birgit Höllmer, 02:11 min
karin sander _ imi knoebel
_ + _
_ ignasi aballí _ carl andre _ alain biltereyst _ franziska degendorfer _ edith dekyndt _ tom früchtl _ joachim grommek _ margareta hesse _ bastian hoffmann _ david ireland _ via lewandowsky _ sylvan lionni _ robert ryman _ maik schierloh _ richard stipl _ sabine straub _ günther uecker _ veronika veit _ beat zoderer _ et al.
Werke aus der Sammlung Frank F. Drewes
Eröffnung Freitag, 9. Februar 2024, 17 bis 21 Uhr, mit einer Einführung um 19 Uhr.
Gespräch mit Monika Brandmeier am Donnerstag, 21. März 2024 um 18 Uhr.
Ausstellung endet am 13. April 2024
Opening Friday, November 24, 2023, 5 to 9 pm
Introduction at 7 pm
Exhibition through January 27, 2024
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Belgian artist Alain Biltereyst [b. 1965] is known for his abstract works which reveal a persistent interest in the imagery of our urban environment. His paintings on small wooden panels are characterized by a close attention to layering with a particular emphasis on specific colours and shapes. The visual quality of his large formats and murals is equally impressive.
In the exhibition AS IF IT WERE, Biltereyst broadens the palette of his artistic enquiry. Over the years, during his ongoing search for visual content, he has collected thousands of images from everyday life. In his publications, he often confesses to a fascination with commercial images – typography, logos, advertising, commercial graphics and trivial design – and the way in which they jostle for our attention. At drj, Biltereyst is, for the first time, exhibiting a selection of these photographs as autonomous works. Biltereyst’s idiosyncratic, almost reverent, approach treats this source material as a precious find. The photographs hang in rows as in a filmstrip or panorama. They are in dialogue with his paintings and are shown as a series of A4 size units, each discreetly building upon the last. For the viewer, the relationship between observation, inspiration and transformation is thus revealed in the artist’s work.
We rarely consider the fact that the abstract art of the modernists has defined much of our visual world. Alain Biltereyst constantly draws attention to these references. What were once forms developed years ago are complemented by their use in pop culture. Biltereyst’s oeuvre shows a keen interest in the modern and how it has permeated our popular culture. He succeeds in referencing these historical abstractions of the past, while cataloguing his own world.
In addition, a work by Biltereyst will also be on display in the public space in an outdoor in-situ operation. The idea of communicating with passers-by on the street has already been seen, to great effect, in Esther Stocker’s inspired OUTBREAK. Alain Biltereyst’s contribution now offers an excellent opportunity to develop this concept further.
Alain Biltereyst – AS IF IT WERE
Painting, photography and a work in public space.
Opening Friday, November 24, 2023, 5 to 9 pm
Introduction at 7 pm
Exhibition through January 27, 2024
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Alain Biltereyst – AS IF IT WERE
Eröffnung Freitag, 24. November 2023, 17 – 21 Uhr
Einführung um 19 Uhr
Ausstellung bis 27. Januar 2024
Der belgische Künstler Alain Biltereyst [*1965] ist für abstrakte Werke bekannt, die sein spezifisches Interesse an der Bildsprache urbaner Lebenswelten zeigen. Seine Gemälde auf kleinformatigen Holzpaneelen zeichnen sich zudem durch eine sehr spezielle Art der Farbschichtung aus, wobei er besonderen Wert auf bestimmte Farben und Formen legt. Auch die visuelle Qualität seiner größeren Formate und Wandarbeiten ist bestechend.
In der Ausstellung AS IF IT WERE erweitert Biltereyst die Bandbreite seiner künstlerischen Auseinandersetzung. Im Laufe der Jahre hat er im Zuge seiner fortwährenden Erkundung visueller Inhalte Tausende Abbildungen des alltäglichen Lebens gesammelt. Auch zeugen seine Veröffentlichungen von einer großen Wertschätzung für Bilder aus der Welt der Werbung – Typografien, Logos, Anzeigen, Gebrauchsgrafiken sowie dem Alltagsdesign insgesamt – und von der Art und Weise, wie diese um unsere Aufmerksamkeit ringen. Bei drj stellt Biltereyst nun zum ersten Mal eine Auswahl von Fotografien dazu als eigenständige Werke aus. Biltereysts unverwechselbare, fast andächtige Herangehensweise an das Sujet behandelt das Ausgangsmaterial wie einen kostbaren Fund. Die Fotos werden wie in einem Filmstreifen oder Panorama aneinanderfügt. Als Reihe aus einzelnen A4-Formaten, von denen eines subtil auf dem anderen aufbaut, treten sie in einen Dialog mit seinen Gemälden. Für den Betrachter wird so die Wechselbeziehung zwischen Beobachtung, Inspiration und Transformation im Werk des Künstlers deutlich.
Nur selten wird die Tatsache reflektiert, dass die abstrakte Kunst der Moderne einen Großteil unserer visuellen Welt definiert. Alain Biltereyst verweist immer wieder auf diesen Zusammenhang. Zu dieser Zeit entwickelte Formen sind durch ihre Verwendung in der Popularkultur heute immer noch stark präsent. Biltereysts Werk ist insgesamt geprägt von einem großen Interesse an der Moderne und ihrer Durchdringung mit unserer heutigen Lebenswelt. Es gelingt ihm dabei, auf historische Abstraktionen aus der Vergangenheit zu verweisen und gleichzeitig seine ihm eigene Lebenswelt zu erfassen.
Bei drj wird zudem ein Werk von Biltereyst im öffentlichen Raum zu sehen sein, in Form einer Außeninstallation. Die Idee, so mit den Menschen auf der Straße in direkten Kontakt zu kommen, wurde bereits in Esther Stockers Werk OUTBREAK und mit großer Resonanz umgesetzt. Der Beitrag von Alain Biltereyst bietet nun eine wunderbare Gelegenheit, diese Idee weiterzuentwickeln.
Alain Biltereyst – AS IF IT WERE
Malerei, Fotografie und eine Arbeit im öffentlichen Raum.
Eröffnung Freitag, 24. November 2023, 17 – 21 Uhr
Einführung um 19 Uhr
Ausstellung bis 27. Januar 2024
A drj thematic exhibition on artistic notations of time.
Opening Friday, September 15, 2023, 5 – 9 pm. Commented introduction at 7 pm.
Special hours September 16 and 17.
Exhibition through October 30, extended through November 10, 2023.
Regular open hours Saturdays, 2 – 7 pm.
Click here to open the artists‘ comments page.
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Conceptual work in art can have its initial impulse in the close observation of processes, repetitive procedures and recurring events. Their notation can provide the basis for transfers into artistic forms, visually as well as in terms of content. The possibility of comprehending their point of origin or their data basis is not necessarily immediate, rather they can be coded, ciphered, hidden, or transformed through a variety of other self-defined parameters. Thus, this type of work contains several levels of engagement and carries multidimensional content.
Initial access on the part of the viewer will be visual, sensual, or intuitive, however. Through intensive study of the works‘ backgrounds, knowledge of the rules that define them, and with the help of insightful commentary, they also become intellectually comprehensible. The artistic range is enormous, as are the subjects that determine their character. This is an essential field of interest for the programme work of drj art projects.
The exhibition protocol is particularly concerned with works of art that are based on notations of time-based phenomena, from which the artists start and transfer them into their works. They are mainly chronological or, more generally, related to processes or time frames.
::: Daniela Comani [IT] ::: Denise Winter [DE] ::: Jill Baroff [US] ::: Lucía Simón Medina [ES] ::: Mandy Cano Villalobos [US] ::: Sonya Schönberger [DE] ::: Gyula Sagi [HU] ::: Nils‑Simon Fischer [DE] ::: Oliver Siebeck [DE] ::: Sunoj D [IN] ::: Willem Besselink [NL] :::
In dialogue with »One Year Performance 1980—1981 (Time Clock Piece)«
by Tehching Hsieh [TW/US]…
Alongside the presentation and composition of the contributions by these invited and programme artists, the exhibition is in dialogue with the artist Tehching Hsieh [TW/US] and his work »One Year Performance 1980—1981 (Time Clock Piece)«, based on the personal contact between drj and the artist.
This work, that has been exhibited numerous times and at prominent venues worldwide, is currently on display for the first time in Germany at the Neue Nationalgalerie until September 24. It is the second of six long-term performances the artist completed between 1978 and 1999. The Time Clock Piece is thus the most consistent and, in some respects, most radical artwork on the relationship between art, time and life on a conceptual basis. It consists of 366 workers daily time cards that[AH1] Hsieh stamped from April 11, 1980 to April 11, 1981, on the hour, around the clock. While doing so, he also took a film-still of himself, each time in the same position and clothing. So, for this one year, his entire day-and-night and overall life rhythm were subordinated to that moment on the hour and its documentation. From the resulting images, Tehching Hsieh has assembled a 16-mm-film that runs through the period of 366 days in about six minutes. As a reinforcement and physical evidence of the process, Hsieh begins his performance with an almost shaved head, only to end up with more than shoulder-length hair.
With a fragment of the work, a photograph of the work’s presentation as Taiwan’s contribution to the 1997 Venice Biennale, and the respective image use permission in the form of a written document from the artist, Tehching Hsieh gets into a direct dialogue with protocol at drj art projects, elucidating the concept of the exhibition. The basic subject – the artistic notation of time – thereby experiences an enormous reinforcement in terms of content.
For more in-depth information about his outstanding work, drj, together with Tehching Hsieh and the author of the standard work on his oeuvre, Prof. Adrian Heathfield, have compiled references and links on a special page. Through this selected and condensed compilation of accessible information, the great importance and unique position of the artist and his work become directly approachable, very clear and comprehensible.
Please click here to get there!
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protocol
Eine drj Themenausstellung zu künstlerischen Notationen der Zeit.
Eröffnung Freitag, 15. September 2023, 17 bis 21 Uhr. Kommentierte Einführung um 19 Uhr. Sonderöffnungszeiten am 16. und 17. September 2023.
Ausstellung bis 30. Oktober, verlängert bis10. November 2023.
Regelöffnungszeiten samstags von 14 bis 19 Uhr.
Hier klicken um zu den Kommentaren der Künstler:innen zu gelangen.
Konzeptuelles Arbeiten in der Kunst hat bisweilen seinen ersten Impuls im genauen Beobachten von Abläufen, repetitiven Vorgängen und wiederkehrenden Ereignissen. Deren Aufzeichnung kann die Grundlage für Übertragungen in künstlerische Formen bilden, visuell wie inhaltlich. Die Nachvollziehbarkeit der Ausgangspunkte oder der Datengrundlagen muss dabei nicht unmittelbar gegeben sein, sondern kann codiert, chiffriert, versteckt oder über andere selbstdefinierte Parameter transformiert werden. Solche Werke beinhalten mehrere Ebenen der Auseinandersetzung und tragen multidimensionale Inhalte in sich.
Der erste Zugang seitens der Betrachtenden wird jedoch optisch, sinnlich oder intuitiv sein. Durch intensive Beschäftigung mit den Hintergründen der Werke, der Kenntnis der für sie definierenden Regelwerke sowie mithilfe kundiger Kommentierung werden sie auch intellektuell verständlich. Die künstlerische Bandbreite ist dabei enorm, ebenso wie die ihren Charakter bestimmenden Themen. Hier liegt ein wesentliches Interessensfeld der Programmarbeit von drj art projects.
In der Ausstellung protocol geht es in besonderer Weise um Kunstwerke, die auf Notationen zeitbasierter Phänomene basieren, von denen die Künstler:innen ausgehen und in ihre Arbeiten übertragen. Sie sind meist chronologisch gefasst oder, allgemeiner, auf Abläufe oder Zeiträume bezogen.
::: Daniela Comani [IT] ::: Denise Winter [DE] ::: Jill Baroff [US] ::: Lucía Simón Medina [ES] ::: Mandy Cano Villalobos [US] ::: Sonya Schönberger [DE] ::: Gyula Sagi [HU] ::: Nils‑Simon Fischer [DE] ::: Oliver Siebeck [DE] ::: Sunoj D [IN] ::: Willem Besselink [NL] :::
Im Dialog mit »One Year Performance 1980—1981 (Time Clock Piece)«
von Tehching Hsieh [TW/US] …
Neben der Ausstellung und der Komposition der Beiträge dieser Eingeladenen und Künstlerinnen des drj Programms, steht die Ausstellung im Dialog mit Tehching Hsieh [TW/US] und seiner Arbeit »One Year Performance 1980—1981 (Time Clock Piece)«, der auf dem persönlichen Kontakt zwischen drj und dem Künstler beruht.
Diese Arbeit, die weltweit mehrfach und an prominenten Orten ausgestellt wurde, ist in der Neuen Nationalgalerie Berlin noch bis zum 24. September, und dabei erstmals in Deutschland zu sehen. Es ist die zweite von sechs Langzeitperformances, die der Künstler zwischen 1978 und 1999 realisiert hat. Das Time Clock Piece ist dabei das konsequenteste und in mancher Hinsicht wohl radikalste Kunstwerk zum Verhältnis von Kunst, Zeit und Leben auf konzeptioneller Basis. Es besteht aus 366 Stempelkarten, die Hsieh vom 11. April 1980 bis zum 11. April 1981 rund um die Uhr und immer zur vollen Stunde abstempelte. Dabei machte er auch ein Standbild von sich selbst, jedes Mal in der gleichen Position und Kleidung. In diesem einen Jahr waren somit sein gesamter Tag- und Nachtrhythmus und sein kompletter Lebensalltag diesem Moment zur vollen Stunde und seiner Dokumentation untergeordnet. Aus den so entstandenen Bildern hat Tehching Hsieh einen 16-mm-Film montiert, der den Zeitraum von 366 Tagen in etwa sechs Minuten ablaufen lässt. Zur Verdeutlichung und als physischer Nachweis des Prozesses beginnt Hsieh seine Performance mit einem fast kahl rasierten Kopf, um am Ende mit beinahe schulterlangem Haar zu enden.
Mit einem Fragment der Arbeit, einem Foto der Präsentation der Arbeit als Taiwans Beitrag zur Venedig-Biennale 2017 und der entsprechenden Bildverwendungserlaubnis in Form eines schriftlichen Dokuments des Künstlers, tritt Tehching Hsieh bei drj art projects in einen direkten Dialog mit protocol, der das Ausstellungskonzept verdeutlicht. Das Grundthema – die künstlerische Notation von Zeit – erfährt dadurch eine enorme inhaltliche Verstärkung.
Für vertiefende Informationen zu seinem herausragenden Werk hat drj gemeinsam mit Tehching Hsieh und dem Autor des Standardwerks zu seinem Oeuvre, Prof. Adrian Heathfield, auf einer speziellen Webpage Referenzen und Links zusammengestellt. Durch diese ausgewählte und komprimierte Zusammenstellung von verfügbaren Informationen werden die große Bedeutung und die einzigartige Stellung des Künstlers und seines Werkes unmittelbar greifbar, deutlich und nachvollziehbar.
Um die Seite aufzurufen, bitte hier klicken!
4. Juni bis 22. Juli 2023.
AUF VERABREDUNG weiter zu sehen bis 6. September 2023.
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drj art projects zeigt mit OUTBREAK die vierte Einzelausstellung der Künstlerin Esther Stocker in ihrer Berliner Programmgalerie. Der thematische Fokus liegt dabei in der Komposition von Malerei und Form und dem Zusammenwirken von Innen- und Außenraum, sowie der Relation und dem Übergang zwischen beidem.
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Ausgewählte Werke der SAMMLUNG SCHROTH bei drj art projects.
In Zusammenarbeit mit der Stiftung Konzeptuelle Kunst.
Eröffnung am Sonntag, 23. April 2023, 14 bis 18 Uhr
Ausstellungsrundgang mit den Kuratorinnen und dem Sammler um 15:30 Uhr
Sonderöffnungszeiten zum Gallery Weekend Berlin:
Freitag, 28. April -> 13 bis 17 Uhr
Samstag, 29. April -> 14 bis 18 Uhr
Sonntag, 30. April -> 15 bis 19 Uhr
Ab Montag, 1. Mai bis Samstag, 20. Mai -> Samstags, 14 bis 19 Uhr, sowie täglich auf Verabredung.
··· Julieta Aranda [MX] ···Jean–François Dubreuil [FR] ··· Spencer Finch [US] ··· Jill Baroff [US] ··· Frank Gerritz [DE] ··· James Howell [US] ··· Katja Kottmann [DE] ··· Alan Johnston [GB] ··· Yves Klein [FR] ··· Stefana McClure [GB] ··· Jo Kuhn [DE] ··· Mike Meiré [DE] ··· Vera Molnar [HU] ··· Charles Mudry [CH] ··· Anton Quiring [DE] ··· Aurélie Nemours [FR] ··· Winston Roeth [US] ··· Ulrich Rückriem [DE] ··· Fred Sandback [US] ··· Joan Witek [US] ··· Heiner Thiel [DE] ··· Ignacio Uriarte [ES]···
Ab dem 23. April 2023, und somit über das Berlin Gallery Weekend, wird drj art projects eine besondere Ausstellung präsentieren: In Kooperation mit der Stiftung Konzeptuelle Kunst, Soest, werden ausgewählte Werke der SAMMLUNG SCHROTH in der Berliner Programmgalerie zu sehen sein.
Mehr + ENGLISH…
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less… is a conceptual and minimal exhibition of concisely set and meticulously selected works by drj artists Douglas Allsop [*1943 · GB] and Julius Stahl [*1978 · DE].
Opening Sunday, February 12, 2023 2 to 6 p.m.
Exhibition through April 1, 2023.
Open on Saturdays from 2 to 7 p.m. and daily by appointment.
Extended through Monday, April 10, 2023 by appointment.
Special feature
Sound Performance by ERIK K. SKODVIN [*1979 · NO]
Saturday, March 18, 2023 at 7 p.m.
Extended through Monday, April 10, 2023 by appointment.
Special feature
Sound Performance by ERIK K. SKODVIN [*1979 · NO]
Saturday, March 18, 2023 at 7 p.m.
The final 6:15 min
Excerpt from the sound performance by Erik K. Skodvin at drj art projects, March 18, 2023.
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Eine Programmausstellung zum Jahreswechsel.
Zu sehen von Dezember 2022 bis Februar 2023.
Privat, auf Verabredung.
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A programme exhibition at the turn of the year.
On view from December 2022 through February 2023.
Private, by appointment.
Mit Werke von [in räumlicher Reihenfolge bei drj] • With works by [in drj space related order]
Esther Stocker [IT] • Alain Biltereyst [BE] • Hartmut Böhm [† DE] • Monika Brandmeier [DE] • Jan van Munster [NL] • Anette Haas [DE] • Yasuaki Kuroda [JP] • Susan York [US] • Michael Rouillard [US] • Denise Winter [DE] • Carlo Battisti [IT] • Carles Valverde [ES/CH] • Aiko Tezuka [JP] • Wolfgang Berndt [DE] • Nils-Simon Fischer [DE] • Justina Moncevičiūtė [LT] • Daniel Göttin [CH] • Siegfried Kreitner [DE] • Samantha Bittman [US] • Gilbert Hsiao [US] • Joseph Shetler [US] • Peter Weber [DE] • Douglas Allsop [GB] • Don Voisine [US] • José Heerkens [NL] • Natalie Reusser [CH] • Sarah Smolders [BE] • Brigitte Schwacke [DE] • Julius Stahl [DE] • Daniela Comani [IT] • Jan Maarten Voskuil [NL] • Friederike von Rauch [DE] • H. Frank Taffelt [DE] • David Semper [DE] • Ray Malone [IE] • Willem Besselink [NL] • Matthew Hawtin [CA] • Cedric Christie [GB] • Anna Kubelík [CH] + Oliver Schmid [CH] • Lucía Simón Medina [ES] • Fernanda Fragateiro [PT] • Oliver Siebeck [DE] • Hellmut Bruch [AT] • Matthew Deleget [US]
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Eröffnung Mittwoch, 14. September 2022, 18 – 21 Uhr
Verlängert bis Samstag, 12. November 2022
Öffnungszeiten
Freitag 15 bis 19 Uhr, Samstag 14 bis 18 Uhr, sowie täglich auf Verabredung
Die Verbindungen zwischen Jan van Munster, Willem Besselink und drj art projects sind vielfältig. So zählt Jan van Munster mit seinem über viele Jahrzehnte gewachsenen Œuvre zu den international renommiertesten Programmkünstlern von drj. In seinen bisherigen Duo-Ausstellungen und den zahlreichen Beteiligungen an wichtigen Themenpräsentationen hat seine Position das Profil der Programmgalerie entscheidend mit geschärft. Zudem ist er seit langer Zeit auch Förderer des künstlerischen Nachwuchses: Über viele Jahre hat seine IK Stiftung in der den Niederlanden Aufenthaltsstipendien an junge Künstlerinnen und Künstler vergeben, um ihnen eine Zeit unabhängigen inhaltlichen Arbeitens zu ermöglichen. Hier war auch Willem Besselink Stipendiat, der darüber hinaus über sein Studium in Berlin stets Verbindungen in die Stadt gepflegt hat. So war auch er bereits in thematischen drj-Projekten vertreten. Zudem gehört er auch zu den Gründungsmitgliedern der Künstler:innen-Vereinigung Frontviews, mit der wiederum drj art projects vor kurzem eine umfangreiche Kooperation zur Textilen Kunst erfolgreich durchgeführt hat.
In KREUZLINIEN verbinden die beiden niederländischen Künstler nun ihre Arbeiten miteinander und gemeinsam mit drj. Der Fokus liegt dem Titel entsprechend auf der linearen Form: Insbesondere van Munsters Werkgruppe der Brainwaves stellt sich darin dem Dialog mit Besselinks Reliefs und Objekten. Während erstere nach wie vor ihren Ursprung in der Gedankenenergie haben, die über Gehirnwellenmessungen grafisch festgehalten und in Licht-Arbeiten übertragen wird, sind für zweitere insbesondere von Mauerwerksverbände und deren Fugen inspirierten Überlagerungen prägend. Damit beziehen sie sich zusätzlich auf Architektur und Urbanismus, was beides aus dem Hintergrund der Programmgalerie wiederum nicht wegzudenken ist.
Nach einem Sommer ungeahnter Härten, einer aufgrund von Force Majeure zwangsweise verschobenen Ausstellung und auch nach wie vor angesichts einer gesellschaftlich unsicheren Zukunft, freuen wir uns in besonderem Maße auf diese Ausstellung. Deren Eröffnung am 14. September markiert so das Rentrée, den Wiedereinstieg von drj art projects in seinen Ausstellungsbetrieb und den Auftakt einer hoffentlich anregenden und die Wertschätzung konzeptueller und minimaler Kunst öffnenden Herbstsaison – trotz allem.
Mehr zu den Künstlern hier:
janvanmunster.nl · willembesselink.nl
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Opening Wednesday, September 14, 2022, 6 – 9 p.m.
Extended through Saturday, November 12, 2022
Opening hours
Friday 3 to 7 pm, Saturday 2 to 6 pm, and daily by appointment
Ausstellung verlängert bis 29. Januar 2023.
Geöffnet Sonntag, 16.10, 6.11. sowie 27.11.2022 [u.A.w.g.]
Zudem auf Vereinbarung per e-Mail an:
Internationale Isang Yun Gesellschaft info@yun-gesellschaft.de
Yun-Haus Berlin · Sakrower Kirchweg 47 · 14089 Berlin-Kladow
Eröffnung Sonntag, 25. September 2022, 17:30 Uhr
Zuvor um 16 Uhr Konzert
Daniel Seroussi [Klavier] spielt Werke von Isang Yun,
Henri Dutilleux, Eres Holz und Franz Schubert
Eine Kooperation von drj art projects und INTERNATIONALE ISANG YUN GESELLSCHAFT
Installation von Oliver Siebeck · Kuratiert von Christiane Bail · Produziert von Matthias Seidel
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Oliver Siebeck : Isang Yun – sesshafte und nichtsesshafte Buchstaben vielleicht
Wenn Oliver Siebeck mit einer Arbeit beginnt, steht am Anfang eine Faszination. Für ein Ding – eine Skulptur beispielsweise – für eine Situation – das Geräusch eines Insekts beim Fliegen etwa – oder, sehr oft, für eine Person – wie Isang Yun. Dann legt sich Siebeck das Handwerkszeug zurecht, mit dem er diese Arbeit erzeugen wird. Papier von der und der Struktur in dem und dem Format. Farben, wenige, hier Schwarz und Gold. Und, zentral, das Instrument. Sein Kunsterzeugungsinstrument. Die alte schwere mechanische Schreibmaschine.
Das Material, aus dem die Arbeit systematisch hergestellt wird, wird dem Gegenstand selbst entnommen. Bei der vorliegenden Arbeit sind es die im westlichen Alphabet, in der gebräuchlichsten Umschrift für das koreanische Alphabet, auch in der westlichen Reihenfolge, Vorname zuerst, aufgeschriebenen Buchstaben. Die Zeichen, die den Namen des Komponisten bedeuten und verlauten, von dem die Faszination, und damit diese Arbeit, ausging: ISANGYUN. Großbuchstaben. Systematisch eine beibehaltene Stellung der Schlagmechanik seiner Schreibmaschine also. Ganz einfach. Und genauso einfach, mit verdichtetem systematischen Variationsrepertoire, werden die Blätter bezeichnet. Reihung und Rotation, Reihung und Umkehr, Reihung und Krebs. Einfache bis mehrfache Wiederholungen. Überschreibungen von Überschreibungen. Sesshafte und nichtsesshafte Buchstaben vielleicht. Manche liegen auf der Seite, manche stehen auf dem Kopf.
Es ist nicht notwendig, etwas über Isang Yun zu wissen, um von Siebecks Blättern fasziniert zu sein und in ihnen je eigene Bedeutungssterne aufblitzen zu lassen. Sogar akustische, der sichtbar gewordene Schreibmaschinensound auf dem Papier. Tak-Taktak-Tak. Die teilweise regelrechte Lesbarkeit der Blätter. Oder prozessuale, wie das genüsslich allmähliche Aufgehen des goldenen Verstehens- und Sehenshorizonts beim sich Verdichten der Zeichen aus allen Himmelsrichtungen.
Je nachdem, wie vertraut man mit der Arbeit und dem Leben des Isang Yun ist, ist es natürlich nicht verboten und vermutlich in diesem Sinnzusammenhang auch nicht zu vermeiden, wenn man Hinweise auf Isang Yuns Leben oder Werk in Siebecks Arbeit sieht. Der Autor dieser Zeilen weiß zum Beispiel, dass es Stücke von Isang Yun gibt, in deren ersten paar Takten schon das gesamte Klangmaterial, mit dem das Stück arbeiten wird, vorgestellt wird. Genauso ist es hier bei Siebeck. Wenn man das Material und die Systematik verstanden hat, weiß man ungefähr, wie es weitergehen wird. Erleben will man es dann natürlich trotzdem noch; – oder jetzt erst recht.
Die vorliegenden Blätter mit den sesshaften und nichtsesshaften Buchstaben sind nicht die erste Arbeit von Oliver Siebeck mit dem Gegenstand Isang Yun. 2018 entstand seine Isang Yun Biografie. Hierbei waren das Zeichenmaterial für Siebecks Schreibmaschine die Ziffern der Lebensdaten von Isang Yun – 17. 9. 1917 bis 3.11.1995 – die Siebeck, im bekannten Zeichenformat und der bekannten Fortsetzungsregel folgend, Tag für Tag hintereinander auf eine ca. 20 Meter lange Papierrolle geschlagen hat. Einmal, in einem 40 Zeichen breiten schwarzen Streifen vorwärts, und einmal in einem 40 Zeichen breiten roten Streifen rückwärts.
Diese beiden nebeneinander laufenden Lebensdatenbahnen in rot und in schwarz variieren leicht in Anschlag und Farbkraft, und sie bewegen sich aufeinander zu und voneinander weg. In einer sehr dramatischen, spannungsgeladenen Passage dieser Schriftrolle überschreiben sich die beiden Bahnen an ihren Rändern. Berühren sich. Schreiben sich ineinander ein. Eine Sehnsucht. Ein Verlangen, dem man Himmelrichtungen zuschreiben kann, an deren Vereinigung Isang Yun ein Leben lang arbeitete, und einer Trennung, die sein Schicksal war.
Thomas Goldstrasz, Chemnitz 5.9.2022
Kursiv: Satzmaterial von Oliver Siebeck aus der Korrespondenz zu den vorliegenden Blättern. Eine Dokumentation der Isang Yun Biografie (2018) findet sich unter www.siebeckprojekte.de
Read English version here…Von Februar bis März 2022 zeigt drj art projects ein erweitertes Street Screening: Neben dem 9:16 Monitor des Digitalen Schaufensters in der Leberstraße 60 wird der Ladenraum zur Filmbühne: Auf einer raumbreiten Leinwand werden dort Videoarbeiten von Künstler:innen des erweiterten drj Programms gezeigt. Diese können durch das Schaufenster von außen betrachtet werden.
Beteiligte Künstler:innen sind Monika Brandmeier, Christoph Brech, Jan van Munster und Lindsay Packer für die Breitwandfilme, sowie Wolfgang Berndt, Carles Valverde und Oliver Siebeck auf 9:16.
Premiere verschoben auf Freitag, 25. Februar 2022, 18 Uhr – aufgrund des Orkans Zeynep.
Der 9:16 Monitor läuft ab dann täglich von 18 -24 Uhr[1].
Die Breitwandfilme werden wöchentlich, immer freitags ab 18 Uhr, an diesen Daten gezeigt: 4. März, 11. März und 18. März 2022.
Derniere ist dann am 25. März 2022.
Diese Filme werden zu sehen sein:
| Christoph Brech | La Sosta, 2010 | 0:08:00 |
| Eternal Eclipse, 2015 | 0:05:45 | |
| Corona Mond, 2020 | 0:02:51 | |
| Monika Brandmeier | schlafen.stehen, 2003 | 0:02:46 |
| Löffel, 2002 | 0:10:21 | |
| Lindsay Packer | Observer Effect, 2022 | 0:05:22 |
| Self Similar, 2022 | 0:08:04 | |
| Charm Pours, 2022 | 0:06:08 | |
| Jan van Munster | Circles, 1972 | 0:02:54 |
| Double Portrait, 1972 | 0:02:45 | |
| Movement Towards a Larger Order, 2016 | 0:02:36 |
Videostills der Beiträge zur drj Filmbühne
Die Gesamtlänge aller Videos beträgt ca. eine Stunde. Im Anschluss werden sie erneut gezeigt werden.
The overall length of the videos is about one hour. They will be re-shown at the end of the series.
Auf dem 9:16 Schirm sind die Beiträge täglich von 18 bis 24 Uhr zu sehen:
| 25. Februar – 5. März + 11. – 18. März 2022 | |
| Wolfgang Berndt | ≈70m:2217 |
| 5. – 11. März + 18. – 25. März 2022 | |
| Lindsay Packer | Figure Ground, 2022 |
| Overkiller, 2022 | |
| Fly Over, 2022 | |
| 2 Way Mirror, 2022 | |
| Pantomime, 2022 | |
| Picture Plane, 2022 |
Im Anschluss wird ein Wechselprogramm mit Werken von Oliver Siebeck und Carles Valverde bis zur Derniere gezeigt. Details folgen in Kürze.
[1] Angesichts des aus aktuellen Gründen noch dringlicher gebotenen energiesparenden Verhaltens ist dieser Schritt folgerichtig. Eine weiterhin auf 24/7 ausgelegte Präsentation ist unter diesem Aspekt unangebracht.
____EN____
From mid-February through March 2022, drj art projects will be staging an extended Street Screening: in addition to the 9:16 monitor on the outside window of Leberstrasse 60, the entry space will be transformed into a film stage: video works by artists from the extended drj programme will be shown there on a screen as wide as the room. These can be viewed through the store window from the outside.
Participating artists are Monika Brandmeier, Christoph Brech, Jan van Munster and Lindsay Packer for the widescreen films, as well as Wolfgang Berndt, Carles Valverde and Oliver Siebeck at 9:16.
Premiere delayed to February 25, 2022, 6 pm – due to the hurricane Zeynep.
The 9:16 monitor will run daily from then on, starting at 6 pm and ending at midnight. [1]
The widescreen films will be shown weekly, always on Fridays from 6 pm, on these dates:
March 4, March 11, March 18, 2022.
The final screening will be on March 25, 2022.
[1] In view of the current need for even more urgent energy-saving behaviour, this step is logical. A presentation that continues to be conceived as 24/7 is inappropriate from this point of view.